GROUPE: CRIMSON GLORY

TITRE ALBUM: Chasing the hydra

LABEL: Bravewords Records

DATE DE SORTIE: 2026

La mort de Midnight en 2009 avait porté un sacré coup aux fans du monde entier, parce qu’il était LA voix de CRIMSON GLORY . Et ceux qui ont vécu les sorties à l’époque de « Crimson Glory » et « Transcendance » en 1986 et 1988, connaissent la grandeur mélodique technique et vocale de ce grand groupe de Floride ; parce que CRIMSON GLORY représente pour les années 80’s un des meilleurs groupes de heavy metal presque progressif dont la marque de composition, les envolées lyriques et encore une fois la voix tellement aigue et puissante du Sieur Midnight, sont légendaires. On n’aura de cesse de clamer haut et fort les refrains de « Valhalla », « Dragon lady », « Lady of winter » ou encore l’inoubliable « Painted Skies » que Midnight avait aussi repris en acoustique au piano avec Jon Oliva.
A l’époque, malheureusement la carrière de Queensryche leur a fait de l’ombre alors que pourtant ce groupe aurait mérité une renommée interplanétaire. La pochette de « Transcendence » est d’anthologie, les masques sont un repère que personne n’oubliera au fur et à mesure des années. Après ces deux albums, il fût difficile de faire mieux, c’est peut-être pour cela que « Strange and beautiful », plus commercial, plus accessible, a moins plu alors que pourtant il possède quelques très bonnes chansons dont la balade « Song for angels » et l’exotique « Promised land ».

On aurait pu croire que le départ de Midnight après la sortie de « Strange & beautiful » aurait fait sonner le glas pour CRIMSON GLORY, raison pour laquelle il aura fallu attendre huit ans pour écouter « Astronomica » avec Wade Black au chant . Mais que nenni, cependant c’est un album en demi-teinte qui est né de nulle part, un album qui pourtant lui aussi possède une forte personnalité, la personnalité de CRIMSON GLORY que l’on entend bien sur le premier titre « War of the worlds » ou encore sur « New world machine » et « Astronomica ». Mais l’âme de CRIMSON GLORY pure était en partance pour le firmament vu que Midnight n’était plus là, et malgré les beaux efforts de Wade Black, la magie s’estompait quelque peu, donnant alors encore plus de valeur, de beauté, de mérite aux deux premiers albums à tout jamais.

Il aura fallu attendre vingt sept longues années, alors qu’en fait on croyait le groupe fini, pour que CRIMSON GLORY refasse surface et renaisse de ses cendres avec ce nouvel album « Chasing the hydra ».

Un nouveau chanteur dans la musette en la personne de Travis Wills ( Infidel Rising – Valorheart) qui fait plus que le taff, car sa tessiture est très proche de celle de Midnight et réussit l’exploit de raviver une flamme éteinte de plusieurs années pour vous bluffer par des montées aïgues surprenantes qui prennent la noblesse d’un Midnight sans l’ombre d’un doute.

Reste alors à reconstruire la patte légendaire des riffs mélodiques de CRIMSON GLORY pour adorer un groupe fabuleux au charisme singulier et unique.

Voici donc un album de neuf titres , presque cinquante minutes, qui demande plusieurs écoutes, pour s’apercevoir que c’est la continuité de « Transcendence » avec aussi le côté plus brut qu’il y avait sur  « Crimson Glory ».
Oui, on ne s’en aperçoit pas sur les premières écoutes, et on est tellement focalisé sur les mélodies nostalgiques de « Transcendence », qu’on risque de passer à côté de l’essence profonde de ce « Chasing the hydra » et de s’auto-décevoir. Et donc après plusieurs écoutes on s’aperçoit que le titre « Chasing the hydra » reprend les riffs d’un « Dragon Lady » ou d’un « Red sharks » signature indélébile du groupe qui ravira tout un chacun. Et là on sait que le groupe est revenu. Hormis Jon Drenning qui était bien évidemment une des composantes principales du groupe, remplacé ici par Mark Borgmeyer au lead (ce qui explique la fluidité moins flagrante des mélodies de Drenning), CRIMSON GLORY n’a rien perdu de sa superbe.

Plus brut, plus sombre peut-être, ce nouvel album scintille malgré tout par la chaleur qu’il dégage et une fois de plus Travis Willis demeure un formidable vocaliste qui remplace haut la main les capacités légendaires d’un Midnight qui restera dans nos coeurs à tout jamais.
L’album est chaud donc, et le combo Borgmeyer/Jackson n’en oublie pas de se répondre constamment , notamment sur la sublime « Broken together » qui vous emporte loin dans les galaxies, avec ses incursions dans des fresques hispaniques . La voix de Willis est irréprochable et les guitares jaillissent de nulle part, , montrant que CRIMSON GLORY est bel et bien revenu.
Intensité, mélodie, beauté implacable, ce « Chasing the hydra » tient ses promesses. Parce que le tempo ralentit intelligemment avec « Angel in my nightmare », pour s’obscurcir dans des nébuleuses envoûtantes et à s’y méprendre on se croirait sur un pont qui relie les deux premiers albums.
La poésie de « Angel my nightmare » vous téléporte quelques années en arrière , l’espace de six minutes quarante trois, et montre que ce retour n’était pas juste pour surfer sur la nostalgie. Au contraire CRIMSON GLORY s’est fendu d’une écriture sûre et ferme, d’une composition propre et inspirée pour réaliser ce nouvel album où l’émotion est à son paroxysme.

« Indelible ashes » passe comme un lettre à la poste, se cachant dans le paysage parmi les titres, sans décevoir, mais sans non plus vous faire tomber en pâmoison, avec sa consœur « Beyond the unknown » également qui se laisse écouter sans vraiment marquer les esprits. C’est en fait le côté primaire et plus «roots » de « Armor Against fate » qui se fait remarquer parce que le groupe s’engouffre de nouveau dans le lyrique autant sur la voix que les riffs pointus qui maintiennent à la perfection le morceau au dessus de la surface pour donner de l’air à l’album et l’envoyer avec sa facette plus stellaire , de l’autre côté de l’univers.
Presque arrivé à la fin de l’album avec « Pearls of dust » prend un envol similaire au titre « Transcendance » qu’il y avait sur l’album du même nom, CRIMSON GLORY tente d’impressionner par la grandeur dans l’espace infini avec des riffs dynamiques mais composés de gigantesques passages stellaires encore une fois.

Enfin le bal se ferme avec « Triskaideka » le nombre 13 en grec ancien , single qui était sortie deux ans auparavant pour annoncer la sortie de ce nouvel album deux ans plus tard. Un titre profond assez noir qui montre la grandeur mélodique de ce groupe.

CRIMSON GLORY est revenu, même si c’est le dernier, il est là. Il est bon, il est même très bon, et fait du bien à l’âme. « Chasing the hydra » est une nouvelle pierre dans la discographie d’un groupe sans égal qui vous fera voyager jusqu’aux confins de l’univers.

Arch Gros Barbare

14/05/2026

La bonne humeur, la brutalité, le death metal et le talent. Voici les composantes qui faisaient Can Of Worms et voici les composantes qui font DEATH FROM ABOVE. Le deuxième album « Reckoning of the damned » est sorti des fourneaux il y a peu, chez Great Dane Records, et vous devriez vous réchauffer avec parce qu’il est brûlant comme l’enfer. Alors quoi de plus normal que d’aller chercher la phrase chez notre ami Manu, guitariste hurleur, (un être humain extraordinairement gentil et adorable) pour présenter ce nouvel album...

Salut à toi, enfin te voici sous mes questions à te faire disséquer. Alors petit récap viteuf, après Can of Worms comment vous vous êtes retrouvés à créer Death From Above à trois avec Anthony de Red Dead ? Pourquoi ne pas avoir continué sous le nom de Can Of Worms ? Parce que la direction musicale avait changé ou elle était comme ça depuis le début de Can Of Worms mais vous vous étiez retenus d’être encore plus brutaux ?

Salut beau gosse, je suis prêt pour l'autopsie ! Pour le petit historique, nous avons clôturé la grande aventure de Can of Worms peu de temps après notre retour de la tournée au Japon en 2018. On a arrêté au point culminant de notre “carrière musicale” avec Can of Worms, et il y avait énormément de choses qui bougeaient dans nos vies à ce moment-là : future paternité, taf, directions musicales différentes, relations entre membres… bref la vraie vie qui te rattrape avec une chaise en acier dans le dos.
Musicalement, ça faisait déjà plusieurs mois qu’on avait envie de basculer vers quelque chose de beaucoup plus frontal. En 2018, on avait déjà commencé à composer des morceaux dans une optique presque 100% death metal, avec une approche ultra 90’s, sans compromis, sans calcul et surtout sans retenue. On ne s’était pas “retenus” avec Can of Worms, mais disons qu’avec Death from Above on a complètement ouvert les vannes. Plus de filtres, plus de demi-mesure, juste la violence et le plaisir de jouer la musique qu’on aime profondément depuis qu’on est gamins.
J’ai donc remonté une escouade de mercenaires début 2019 avec Pat et Julien après la dissolution de Can of Worms, puis Antho de Red Dead nous a rejoints naturellement. On se connaît depuis longtemps, on partage exactement les mêmes obsessions pour le death et le thrash old school, les mêmes références, les mêmes envies de chaos sonore. Death from Above est né comme ça, très naturellement, avec cette volonté de faire un death metal brutal, sauvage, honnête et sans compromis.

La direction musicale dont je viens de parler est-ce que c’est celle que tu as toujours eu envie de suivre, parce que pourtant on t’as vu jouer dans Scorn, ça veut dire que le thrash reste tout de même une de tes premières amours non ?

Tu me connais bien mon poto, le Thrash sera et restera toujours un élément essentiel de ma construction musicale personnelle. J’ai clairement grandi dans un univers Death / Grind, j’ai bouffé ça matin midi soir pendant des années, mais le Thrash aura toujours ce côté corrosif, agressif et ultra dynamique qui me colle à la peau. C’est une musique qui transpire la rage et l’énergie pure, et ça m’a toujours parlé instinctivement.
J’ai passé de super moments dans Scorn au poste de chanteur/frontman et je salue bien fort mes collègues de toujours au passage. Cette période m’a énormément apporté humainement et musicalement. Ça m’a aussi permis d’assumer encore plus ce mélange entre violence death et efficacité thrash.
Le Thrash fera donc toujours partie de moi, et de tous les membres de Death from Above d’ailleurs. C’est aussi pour ça que beaucoup de nos morceaux vont très vite, que les riffs ont ce côté nerveux et tranchant, et que la batterie balance parfois des plans qui sentent presque le crossover entre deux avalanches de blast. Même quand on joue du death ultra brutal, le Thrash n’est jamais très loin dans notre ADN.

Ce death metal de DEATH FROM ABOVE au milieu de cette brutalité quand on écoute votre deuxième album, et ton chant diabolique et les riffs et cette espèce de bonne humeur à l’intérieur, parfois ça me rappelle les vieux Deicide, cette sauvagerie non calculée des années 90’s. Quelles étaient tes inspirations, vos inspirations, parce que DEATH FROM ABOVE speede autant qu’il est brutal parallèlement à cette clarté dans la brutalité ?

Étant un gamin des années 80, j’ai eu la chance de grandir et de me construire avec des groupes comme Cannibal Corpse, Deicide, Suffocation, Dying Fetus, Death et tellement d’autres. Je vais pas tous te les sortir sinon on y est encore demain matin, mais j’ai littéralement bouffé du gras jour et nuit pendant des décennies et je n’ai jamais arrêté.
Ce qui m’a toujours marqué en voyant tous ces groupes sur scène, surtout les groupes ricains des années 90’s, c’était ce côté totalement animal et incontrôlable. Les mecs jouaient comme si leur vie en dépendait. Il y avait cette violence physique, cette intensité, cette sueur, ce sentiment que tout pouvait exploser à chaque seconde. Pas de posture, pas de calcul, juste des types qui vidaient leurs tripes sur scène. Et ça, ça m’a profondément marqué.
Je suis heureux d’avoir vécu cette époque de plein fouet parce qu’elle a clairement façonné l’homme que je suis devenu aujourd’hui, mais aussi le musicien. Chez Death from Above, on assume totalement cette influence 90’s. Mais ce n’est pas du cosplay ou du copier-coller. Ce sont nos racines naturelles. C’est ce qu’on aime profondément et ce qu’on a toujours écouté. Donc forcément ça ressort dans notre musique sans qu’on ait besoin de forcer le trait ou de brandir des pancartes “old school death metal”.
Et puis merci pour ta remarque mon pote, parce que si des gens ressentent cette sauvagerie spontanée et ce côté “vivant” dans notre musique, alors c’est qu’on fait les choses correctement.

Vous n’avez jamais lâché Great Dane Records pour toutes vos sorties, c’est une histoire d’amitié aujourd’hui ou une grosse flemme d’aller voir ailleurs tant que Raph vous supporte ? Sérieusement, je sais que tu vas dire de la merde avant…

C’est clairement un choix de ma part de continuer avec Raph depuis toutes ces années, et mes acolytes partagent totalement cette vision. À l’époque de Can of Worms, quand je cherchais un label pour sortir notre premier album, j’avais repéré Great Dane Records parce qu’ils avaient No Return dans leur roster. Et franchement, sur la période “Self Mutilation”, j’étais totalement fan de ce groupe.
Dans ma tête, un label qui bossait avec un groupe de ce niveau-là, c’était inaccessible pour des gars de la campagne comme nous. Je me disais qu’on allait se prendre un énorme stop ou même pas avoir de réponse. Et finalement Raph a été hyper accueillant, hyper réceptif, super humain dès le départ. À partir de là, on ne s’est plus jamais lâchés.
Le fait d’avoir une opportunité comme ça sur notre route, ça m’a complètement retourné le cerveau dans le bon sens. Ça m’a fait comprendre qu’au final rien n’était inaccessible si tu bosses sérieusement et que tu crois vraiment à ce que tu fais. Quelques années plus tard on avait tourné en Europe de l’Est, deux fois au Japon, sorti des albums à la pelle et joué avec des groupes énormes.
Donc oui aujourd’hui il y a largement plus qu’une relation label/groupe. Il y a une vraie histoire humaine derrière tout ça. Merci Raph si tu lis cette interview, parce que t’as clairement participé à changer notre parcours et une partie de notre vie musicale. Et ça on ne l’oubliera jamais.

Question qui n’a rien à voir, est-ce que t’es amoureux de moi ? Parce que dès que tu vois un bridé tu penses à moi ? As-tu été consulté pour ça ou pas ?

T’es mon idole mec. Y en a qui vivent pour Michael Jackson, d’autres pour Elvis, moi je vis pour Gros Barbare. Même compliment que pour Raph d’ailleurs : toi aussi t’as participé à rendre l’impossible possible pour plein de monde autour de toi, et je te remercierai jamais assez pour ça. Et papa Ours aussi évidemment.
Et puis faut quand même reconnaître que traîner avec Dave Suzuki c’est la classe absolue hein. Ça donne tout de suite un bonus de street credibility dans le milieu du gras.
Change jamais idole des hommes… des femmes… et probablement aussi des animaux. Je suis persuadé qu’un golden retriever qui te croise te respecte automatiquement.

Can of worms, deux guitares, DEATH FROM ABOVE deux guitares. Forcément pour accélérer comme vous le faites, il ne faut pas moins de deux guitares pour balancer la sauce mais t’as jamais pensé à recruter un vocaliste pour pouvoir te libérer à la guitare et faire plus de truc de dingue ? Je sais que t’es pas non plus hyper à l’aise à faire deux trucs en même temps du genre baiser de regarder un match de foot en buvant une bière, mais c’est une vraie question ? D’ailleurs au fur et à mesure des années ton guttural prend de plus en plus de grave, tu bosses dessus ou c’est juste le fait d’être papa qui t’a fait tomber le scrotum un peu plus bas ?

Pour avoir fait uniquement de la guitare ou uniquement du chant dans certains groupes, je pense sincèrement que mon équilibre est de faire les deux en même temps. Ça me stimule énormément sur scène, ça maintient une pression constante et ça participe au côté agressif du live. T’as moins de respiration, moins de temps mort, ça tabasse en continu et j’adore cette sensation.
Et puis il y a aussi le côté pratique hein. Quand tu tournes en Twingo avec le merch coincé entre les amplis et les packs de bière, chaque place compte. Les voitures quatre places c’est déjà un problème logistique aujourd’hui avec le prix de l’essence alors si en plus faut rajouter un growler qui transpire dans l’habitacle ça devient compliqué.
Franchement je ne suis pas sûr que je ferais beaucoup plus de trucs techniquement impressionnants en me concentrant uniquement sur la guitare. Notre équilibre actuel fonctionne parfaitement, autant humainement que musicalement.
Concernant le chant, ma période chez Scorn m’a énormément aidé. J’ai compris beaucoup de choses sur la respiration et le placement vocal. J’ai bossé certains aspects avec le temps sans forcément me prendre pour un coach vocal YouTube non plus. Mais oui, avec les années mon chant est devenu plus grave, plus massif, plus profond. Est-ce que c’est le travail, l’expérience ou le fait d’être devenu père avec le scrotum qui descend progressivement vers les chevilles ? La science n’a pas encore tranché.

Par rapport à Can of Worms, il semble que vous preniez nettement plus de temps pour écrire un album parce que quatre ans séparent « Altered Dimension » de ce chef d’oeuvre qu’est « Reckoning of the damned », alors qu’est-ce qui explique que DEATH FROM ABOVE prenne plus de temps à sortir un album que ne le faisait Can Of Worms ? Les aléas de la vie , l’âge avançant qui donne envie de mieux prendre en compte les choses et le temps de vivre et d’écrire mieux ?

On ne calcule pas vraiment les timings d’écriture ou les dates de sortie. On avance surtout selon nos envies et notre réalité de vie. Après le covid, on a surtout voulu redécouvrir “Altered Dimension” en répétition et en live. On avait enfin la possibilité de défendre correctement l’album sur scène et de profiter pleinement de ce qu’on avait créé.
On a aussi réussi à monter une belle trésorerie et à repartir au Japon en 2023, donc forcément ça prend du temps mais c’est du temps investi intelligemment. Quand un album fonctionne et nous rapporte un peu d’argent, mon premier réflexe c’est de réinvestir ça dans le groupe : une tournée, du merch, du matos, un meilleur son, de nouvelles opportunités. L’objectif n’a jamais été de vivre enfermés en studio pour sortir un album tous les ans comme à l’usine.
On veut surtout prendre du plaisir et faire les choses proprement. Et honnêtement, on ne s’est mis aucune pression pour sortir un successeur digne de “Altered Dimension”. On voulait un disque compact, violent, cohérent, sans gras inutile. Et au final “Reckoning of the Damned” est exactement devenu ce qu’on espérait : un putain de bloc dans la gueule.

On va parler un peu du Japon c’est une histoire d’amour ce pays pour vous, vous y avez joué plusieurs fois, et avec Can Of Worms et avec DEATH FROM ABOVE non ? Combien de fois vous y êtes allés ? (Putain au moment où j’écris cette question j’écoute Death Factor, bordel ça me rappelle Deicide et Vital Remains, ça bute ce titre mais sévèrement) Bref du coup comment vous expliquez ce lien avec le Japon, là aussi c’est une vraie question me parle pas des singes dans la mare avec la neige sur la tête je m’en branle...

J’ai réussi à entraîner tous mes potos de zik dans mes rêves de gamin. J’ai monté deux tournées au Japon : une avec Can of Worms et une avec Death from Above. Donc oui, ce pays est clairement devenu une énorme histoire d’amour pour nous. Au-delà du fantasme du gosse passionné de culture japonaise et de musique extrême, la scène là-bas est tout simplement incroyable.
Tu débarques dans des salles parfois minuscules et tu te prends des groupes complètement fous avec un niveau technique et une intensité inimaginables. L’underground japonais est d’une richesse monstrueuse. Les mecs vivent leur musique à fond, avec une implication et un respect hallucinants. Et puis il y a aussi toute l’organisation autour des concerts, le matos, l’accueil, le public… tout est fait avec sérieux et passion.
Mais au-delà de ça, ce qui nous a le plus marqué, c’est l’humain. On y a rencontré des gens qui sont devenus bien plus que de simples contacts musicaux. Certains sont devenus de vrais amis, presque une seconde famille à l’autre bout du monde. C’est aussi ça qui crée ce lien extrêmement fort avec le Japon.
Je souhaite sincèrement à tout le monde, peu importe son domaine, d’avoir la chance — ou les couilles — de vivre ses rêves un jour. Parce que dans la vraie vie, on nous explique souvent que ce genre de trucs n’arrive qu’aux autres. Nous, on l’a vécu deux fois… et j’espère bien qu’on remettra ça encore.

Je le disais quand on t’a eu au téléphone il me semble, mais nouvelle fois avec Remedy Art design, et c’est vrai que le style de votre pochette rappelle celle de Dan Seagrave sur « Souls to deny » par exemple, et là Remedy art design a fait de l’excellent taff. Le rapport à la mort est-il quelque chose d’inaliénable dans le death metal et dans votre musique particulièrement ? Parce que c’est ce que ça inspire, des trucs à l’ancienne quand les fragiles d’aujourd’hui parlent de sujets contemporains qui nous emmerdent vu qu’on le vit déjà tous les jours ?

Dans l’univers de Death from Above, on n’a jamais eu envie de faire de la musique pour revendiquer quoi que ce soit ou faire passer des messages cachés. On ne cherche pas à donner des leçons, ni à faire les sociologues de service. Notre terrain de jeu c’est le Death Metal et la science-fiction, point barre. Depuis tous les groupes dans lesquels j’ai joué, on a toujours gardé cette ligne de conduite : créer un univers, faire voyager les gens et les fracasser musicalement, pas leur faire la morale.
Concernant Remedy Art, c’est une collaboration qui dure depuis environ 2011 maintenant. À l’époque, je l’avais contacté complètement au culot parce qu’il bossait déjà avec des monstres comme Morbid Angel, Suffocation ou Devourment sur tout l’aspect visuel et merch. Pour moi c’était encore un truc inaccessible réservé aux grosses machines du milieu.
Et au final, comme avec Raph, une vraie relation humaine s’est créée au fil des années. On a évolué ensemble, nos réseaux se sont développés en parallèle, nos vies personnelles aussi. Aujourd’hui encore je suis en contact régulier avec lui, et au-delà du talent monstrueux du mec, c’est surtout un vrai pote et un énorme bosseur.
Pour les artworks, je lui laisse une liberté totale. Je lui balance les paroles, les concepts, l’ambiance générale et il digère tout ça à sa manière pour pondre sa propre interprétation. Et à chaque fois ça fonctionne parfaitement. Il comprend instinctivement ce qu’on veut transmettre sans qu’on ait besoin de lui faire un roman de cinquante pages.
Et forcément, dans le Death Metal, la mort, le chaos, la destruction ou le désespoir restent des thèmes centraux. Ça fait partie de l’ADN du style depuis le début. Mais chez nous, c’est toujours traité à travers la science-fiction, les univers dystopiques, les invasions, les mondes en ruine et les visions apocalyptiques. On préfère largement raconter la fin du monde avec des monstres interdimensionnels que disserter sur les problèmes du quotidien qu’on se tape déjà tous les jours en ouvrant les infos.

« Reckoning of the damned » mixé masterisé par Eric Dorleans du Notos pruductions, pourquoi vous détestez Julien à ce point ? C’est son bandana qui vous énerve ? Allez le dire à Cyco Miko… Plus sérieusement c’est vrai que la prod renifle grave les Etats Unis des années 90’s, énorme travail de ce côté là, c’est ce que vous vouliez ?

Quand on a enregistré “Altered Dimension”, on avait décidé collectivement de tout gérer de A à Z nous-mêmes, et c’est Julien qui s’était collé l’énorme chantier du mix et du mastering. Et honnêtement, on ne se rend pas forcément compte à quel point c’est un vrai métier avant d’essayer de le faire soi-même. C’est ultra complexe, ultra technique, et quand t’es autodidacte tu passes des centaines d’heures à galérer avant de comprendre certains trucs.
On assume totalement le résultat du premier album parce qu’il représente exactement l’époque et les moyens qu’on avait à ce moment-là. Et au final, ça nous a aussi énormément servi. Tout notre covid a quasiment tourné autour de ça : le son, le merch, le groupe, les projets… Raph nous a encore fait confiance. On a réussi à générer pas mal d’argent sans quasiment aucun coût de production.
Du coup, grâce à ça, on a pu investir intelligemment derrière : développer énormément de merch, financer la tournée au Japon, et surtout offrir à “Reckoning of the Damned” un vrai mix/mastering de qualité chez Notos avec mon pote Eric. Et clairement, le gap entre les deux albums est énorme au niveau du son. L’impact est beaucoup plus massif, beaucoup plus précis, tout en gardant ce côté organique et ultra agressif qu’on voulait absolument conserver.
Et oui, on voulait clairement retrouver cette sensation des productions américaines 90’s : un son brutal, vivant, naturel, qui sent la sueur et les amplis qui chauffent, pas un truc ultra clinique et stérile comme beaucoup de productions modernes. On voulait un album qui cogne vraiment.
Et puis soyons honnêtes : plus tu délègues certaines parties à des gens compétents, plus t’as de temps pour aller boire des bières avec les collègues sans finir par vouloir étrangler tout le monde en studio.

La science -fiction aaaaaaaaaah la science-fiction, Alien, Predator, Terminator, la science-fiction dans le cinéma, ces deux sujets sont des sujets de prédilection chez vous et ça date pas d’aujourd’hui. Ça vient d’où en fait cette fixation sur la science-fiction parce que les aliens qui viennent nous mettre une branlée c’est un truc qui vous a toujours attiré ? Non c’est vrai c’est un sujet de textes hyper présents chez vous. C’est le cas pour tous on tu fais ton dictateur et c’est toi qui dirige tout le temps le sujet sur lequel vous allez écrire ?

J’ai une liberté totale concernant les paroles, et vu que globalement tout le monde préfère faire des riffs plutôt que rédiger des textes, je me suis naturellement collé à cette partie-là. Et franchement, écrire des paroles c’est un vrai boulot de débile. C’est un peu comme faire des gosses : le plus simple c’est de les fabriquer, après faut les assumer et les élever correctement.
Chez Death from Above, chaque morceau est lié au précédent. Le deuxième album est la suite directe du premier avec exactement la même mécanique narrative. Pour les grosses têtes on appelle ça des “concept albums”, pour nous c’est surtout une escalade permanente dans la violence, le chaos et le désespoir… mais toujours avec un énorme plaisir derrière.
La science-fiction m’a toujours fasciné depuis gamin. Alien, Predator, Terminator, tout cet imaginaire-là m’a complètement nourri. Ce que j’aime dans la SF, c’est qu’elle permet de parler de destruction, de peur, de survie, d’humanité ou de folie sans tomber dans les trucs ultra terre-à-terre. Tu peux créer des univers gigantesques, des guerres interstellaires, des civilisations qui s’effondrent, des créatures monstrueuses… et tout devient quasiment sans limite.
Et puis honnêtement, voir des aliens venir mettre une branlée à l’humanité entière, ça reste quand même plus fun que d’écrire des textes sur la météo ou les embouteillages.
Pour le prochain album, je vais d’ailleurs bientôt me remettre sérieusement au boulot. Je veux encore étoffer l’univers, creuser plus profondément dans le désespoir total et pousser encore plus loin cette ambiance de fin du monde permanente qui colle parfaitement au groupe.

Bon enregistrer c’est bien mais j’ai vu que vous faisiez quelques concerts pour ne pas aller en ehpad trop vite, alors on vous voit où et quand sur cette première partie d’année ? Et aussi comment on fait pour vous soutenir et vous filer de la thune en achetant votre merch et albums par correspondance vu que tout le monde devient feignasse ?

On a bien tartiné les cinq premiers mois de l’année niveau concerts, histoire de prouver qu’on est pas encore totalement bons pour l’EHPAD même si certains matins deviennent compliqués après les balances et les bières de fin de soirée.
On va notamment se retrouver sur une prog avec le Circus de Capbreton, puis en septembre au Salem, et également sur nos terres bayonnaises au Magnéto. Et évidemment on reste ouverts à toutes les propositions possibles. Vous pouvez passer directement par moi, je gère toute la partie programmation du groupe donc ça va plus vite et ça évite les mails qui finissent dans les enfers d’internet.
Pour ceux qui veulent nous filer un vrai coup de pouce, le meilleur moyen reste clairement le merch et les albums. Notre Bandcamp tourne plutôt bien et chaque achat nous aide concrètement à faire avancer le groupe. Contrairement à beaucoup de projets, tout ce qu’on gagne repart quasiment directement dans Death from Above : tournées, pressages, matos, futurs enregistrements, merch, essence pour la Twingo nucléaire, etc.
On compte vraiment sur le soutien des gens parce qu’on a encore énormément de projets et surtout un prochain album qui devra remettre une énorme couche au-dessus de “Reckoning of the Damned”. Et ça demandera encore du temps, du boulot… et malheureusement pas mal de billets aussi.

Allez vu que le sérieux était le maître mot de cette entrevue je t’en remercie bien bas et je te laisse bien évidemment terminer l’interrogatoire comme bon te semble...

Mettez-vous sur la gueule bande d’enculés!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Merci encore ma poule pour l’invitation et pour le soutien depuis tout ce temps. La bise au chat.

Liens :

https://deathfromabovedeathmetal.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/deathfromabovedeathmetal

https://www.greatdanerecs.com/eshop/web/

https://www.facebook.com/GreatDaneRecords/

Arch Gros Barbare

09/05/2026

TERRAGON, un projet, une vie. Le black metal c’est de la musique, et dans cette musique il y a quelques âmes qui apprécient réellement sa portée et l’énergie qu’elle procure. TERRAGON c’est le projet de Manylaethurius qu’il porte depuis pas mal d’années maintenant, un projet solo où le temps n’a aucune emprise. Alors pour découvrir son univers, et les albums (sortis chez Acid Vicious ) qu’il a écrit ainsi que ses ambitions pour son nouveau projet, voici une petite entrevue écrite, avec des questions auxquelles ce dernier a bien voulu répondre. Bonne lecture...

Bonjour à toi, avant toute chose, que signifie Manylaethurius, parce que j’ai eu beau cherché je n’ai pas trouvé ? Car c’est aussi un nouveau projet qui est beaucoup plus orchestral et beaucoup plus épique que TERRAGON non ?

Bien le bonjour à toi. Oui tu auras beau chercher la signification de ce nom, ça ne veut absolument rien dire. C’est juste un assemblage de syllabes, avec néanmoins la prononciation du IUS de fin en IOUS.

Je me suis fait ce nom lorsque j’ai commencé à composer, c’était d’ailleurs sous ce nom que j’avais édité ma première démo en 1996, les prémices de TERRAGON.

C’est donc sous Manylaethurius que je vais sortir mes prochaines compos de ce nouveau projet de musique Orchestrale, j’ai voulu le dissocier de TERRAGON, projet totalement différent. Bien qu’en l’absence de guitares saturées, on peut y retrouver le côté sombre. Je trouve que la vidéo que j’ai faite avec ce premier titre « Memories from the past » s’y prête plutôt bien.

Ça fait quelques mois où je me mets très sérieusement à la compo épique, je ne fais d’ailleurs plus que ça depuis juin 2025.

Allez on peut digresser un peu on s’en fout, on fait ce qu’on veut… Alors je ne dis pas que l’on est proche de Howard Shore, n’allons pas si loin, mais que souhaites-tu explorer au travers de Manylaethurius, parce que je ne sais pas, j’ai tout de même eu une énorme impression de source d’inspiration à la Tolkien ?

Howard Shore, j’écoute très souvent ses œuvres sur les deux trilogies. Mais j’écoute aussi énormément de musique de film. Après dire que ça ressemble, je n’ai aucune prétention de rivaliser loin de là avec ce compositeur. Quant à l’inspiration Tolkien, oui c’est indéniable car je baigne dedans depuis longtemps. J’ai un énorme défi avec ce nouveau projet. Je souhaite m’attaquer à la composition de Ainulindalë « La musique des Ainur », (la construction du monde en musique par Eru avec les «Ainur »), une mise en bouche sur le Chapitre IV de TERRAGON en guise d’intro que j’avais faite. Je voudrais vraiment faire quelque chose d’assez conséquent. C’est un gros projet car très complexe et j’ai tellement d’idées là-dessus que ça s’embrouille. Je lis et relis cette partie tirée du Silmarillion, mais aussi dans « Histoire de la terre du Milieu vol1 » où la description est beaucoup plus détaillée. Aucune idée du temps que ça va me prendre, je n’en suis qu’à la réflexion et en plein apprentissage. Mais entre deux, je compose de petites pièces.

Tu comptes sortir quelque chose de physique ?

Pour le physique, non pas du tout, le Chapitre V était le dernier.

Revenons sur le sentier qui mène à Gundabad et parlons de TERRAGON. TERRAGON c’est un projet solo que tu portes seul depuis très longtemps, depuis les années 90’s, mais tu as fait une très grande pause entre temps. Alors explique-moi d’abord pourquoi cette pause a eu lieu avec autant d’années qui séparent le chapitre 1 de Baudelaire et ce que tu cherchais exactement avec TERRAGON.

C’est une longue explication, A partir de 2002 j’ai intégré un groupe de Black Metal de Paris Spectrums Of Oblivion. N’habitant pas Paris, je faisais la route chaque dimanche pour les répétitions. Très vite dès mon arrivée, l’un des membres du groupe a voulu monter une Asso pour organiser des concerts, c’est là que nait METAL C.H.A.O.S., je me suis impliqué à fond dedans en co organisateur.

Nous avons commencé à faire des concerts sur Paris rapidement. Notamment avec Ancient, Apostasia, Enthroned, Cirith Gorgor…

2003 j’intègre un autre groupe de Black Metal (Ancêtres) qui se trouve encore dans un autre département, répète toutes les semaines.

2004 j’ai voulu faire un vrai album avec TERRAGON qui était en sommeil depuis la première démo.

Pour METAL C.H.A.O.S., nous ne nous sommes pas arrêtés à l’organisation, mais en plus nous avons fait un Webzine, chronique interview live report, j’ai tenté 2 numéros d’un Fanzine que l’on distribuait à nos concerts, mais c’est vraiment trop de boulot, il n’y aura pas eu de N°3.

2005 J’ai quitté Ancêtres.

2006 l’arrêt de l’organisation de concert car très déçu de l’envers du décor !

2007 j’ai tout arrêté en commençant par l’arrêt de Spectrums Of Oblivion. 5 ans très intenses, c’est vraiment épuisant ! d’autant que je travaillais de nuit, je dormais très peu le matin pour avoir du temps la journée pour tout ça.

Ensuite changement de vie familiale plus d’envie de me consacrer à la musique, je pense qu’entre 2007 et 2019 je n’ai quasi touché aucune guitare électrique.

2019 l’envie de reprendre, j’ai commencé à composer le Chapitre II.

Ensuite explique-moi pourquoi tout ce que tu sembles avoir créé , tu l’as fait seul ? Est-ce que c’est parce que tu n’a jamais trouvé les musiciens qui pouvaient coïncider avec ta manière de voir la musique ou est-ce que c’est parce que tu n’arriveras définitivement jamais à créer de la musique avec d’autres personnes ?

Ayant été déjà dans deux groupes, de styles différents, Spectrums Of Oblivion, un Black avec clavier, Ancêtres un Black Pur. Donc dans ces deux formations le travail de groupe était de rigueur.

Je voulais me faire une expérience Black Atmo et faire cela seul, pas de compromis faire ce dont j’avais envie. Bien que j’ai beaucoup aimé le travail en groupe ! Un complément de ce que je faisais. Depuis que j’ai repris en 2019, la compo solo me va bien, je peux faire cela à n’importe quel moment, pas de timing à respecter. Plus je vieillis et moins j’ai envie de me mettre des contraintes de temps.

Peut être qu’un jour…

Quelle était donc la portée première de TERRAGON du coup ?

C’est ce que je disais à la question précédente, le travail seul qui change beaucoup… et le côté planant de l’atmosphérique.

Et quelle est aujourd’hui véritablement la portée de TERRAGON car si l’on écoute le Chapitre I et le Chapitre II quel est le lien réel qui les unit avec les trois parties de la Terre du Milieu ?

Etant donné le temps qui sépare le Chapitre I du II ! cela représente 18 ans, j’ai quelque peu changé de concept ! à l’époque c’était très basé sur l’antichristianisme, très cliché ! bien que je ne sois pas très porté sur la religion, je n’y trouve plus du tout d’intérêt. Je n’avais pas du tout d’inspiration de texte à écrire. Je voulais rendre hommage à Ancêtres et l’intro de la première démo, qui était le texte « Au Lecteur » sur une musique de Prokofiev. J’ai donc voulu refaire une intro avec ce texte mais sur ma musique, ensuite « Les litanies de Satan » … et finalement je me suis dit, pourquoi pas consacrer un album complet. Le son est aussi très différent, à l’époque j’avais enregistré sur un vrai ampli. Y avait juste la batterie de programmée, mais en y repensant c’était vraiment très rudimentaire par rapport à la technologie actuelle. Une grosse différence aussi, sur le chapitre I il y a beaucoup plus de clavier, c’était la première chose que je composais. A l’inverse très peu de clavier à partir du Chapitre II, je voulais mettre beaucoup plus de guitare. La grosse différence est donc là entre ces deux Chapitres.

En fait que représente Baudelaire pour toi, au point de lui avoir écrit un album entier ?

Un personnage exceptionnel hors norme, ses textes j’en avais déjà lu quelques-uns, mais sans trop m’attarder dessus. J’ai lu le livre de Jean Teulé « Crénom Baudelaire » une bio vraiment très bien écrite, il a eu une vie de fou. J’en fais donc ma propre interprétation, que je retranscris sur des vidéos sur ma chaine Youtube https://www.youtube.com/@Terragon_officiel C’est depuis ce début 2026 que je me mets à cela.

L’atmospheric black metal est une étiquette bien souvent compliquée à porter, parce qu’elle ouvre sur un très large panel musical qui comprend pas mal de différences. Et le black metal d’aujourd’hui n’a plus guère grand-chose à voir avec celui des années 90’s. Alors quelle est ta propre vision déjà du black metal tel qu’il était dans les années 90’s et tel qu’il est aujourd’hui ?

L’étiquette Black Metal m’a toujours un peu passé au-dessus, entre cette notion de True Black, et le côté élitiste qui est de plus en plus flagrante, surtout en France. Je fais cela pour la musique en elle-même, j’aime ce son, cette atmosphère. Pour dire simple, le Black Metal pour moi c’est la musique avant tout. Toute l’image derrière je trouve cela ridicule maintenant. Je n’avais pas cette vision à l’époque, maintenant je m’en fou totalement. Cela dit, ma première compo de mon nouveau projet, je l’ai mise en vidéo sur les évènements de Norvège que l’on connait tous, et je me demande vraiment comment aurait évolué le Black Metal sans ces évènements d’où le titre « Memories From The Past ». Je suis allé à Oslo, l’année dernière, et malgré tout je suis allé voir « Holmenkollen Chapel », l’arrêt du train à Langhus bien connu de Mayhem et la tombe d’ Euronymous. Ça fait cliché, mais bon !! c’était quand même intéressant d’avoir vu ça, en plus il y avait de la neige.

Il y avait déjà les prémices de ce style mi 80, avec des groupes comme Venom ! je me rappelle avoir acheté leur vinyle Black Metal en 1984 à Carrefour, ça m’a complètement marqué et c’était déjà un avant-gout de ce que l’on appelle Black Metal. (Oui…. Je ne suis plus tout jeune).

Ensuite en zoomant de plus près, quelle est en fait ta propre vision du black metal et plus particulièrement du black atmosphérique sans qu’il ne tombe dans le post ou le shoegaze ?

Un complément de ce que j’ai dit précédemment, c’est le côté planant qui me plait dans ce style, ça peut t’emmener vraiment très loin. Un bon bouquin et écouter du Bathory, Blut Aus Nord. Ce sont vraiment des moments que j’apprécie et je peux passer une journée complète à faire cela.

Quand on écoute TERRAGON on ne peut s’empêcher de penser à certaines références comme Summoning et Mortiis des premiers albums , est-ce que ce sont des groupes et des albums qui sont dans tes références musicales, même si la musique de TERRAGON n’est en aucune sorte un réel rejeton de leurs propres vagues ?

Tu n’es pas le premier à faire référence à Summoning, J’aime beaucoup ce qu’ils font mais je n’arrive pas à écouter cela en toute circonstance ! bizarrement je n’ai écouté que dans ma période World of Warcraft. C’est rarement que je les écoute maintenant, parfois au travail quand je dois me concentrer sur un travail qui va me prendre du temps, et là j’enchaine plus album.

Mortiis j’ai très peu écouté. Je l’ai vu en concert y a quelques années, très ambiant j’ai bien aimé mais en concert c’est assez spécial.

Cela dit je n’ai rien inventé mais je ne saurais te dire ce qui m’a influencé. J’ai une grosse préférence entre tous pour Blut Aus Nord, Les premiers Burzum (jusqu’à sa période incarcération), Bathory, Evol, Mayhem Marduk… après dire si ça m’influence, peut être…

Cela fait maintenant trois albums que tu nous offres une musique en lien avec le monde de Tolkien. Quel est ton rapport avec l’univers complet de ce dernier ? Quel est ton histoire avec la lecture de ses œuvres, de la cinématographie de Peter Jackson ?

Je suis du clan d’avoir lu après les films, j’avoue que je ne connaissais pas du tout cet univers. Un bien ou un mal je ne sais pas, mais j’aurais quand même bien voulu me faire une vision plus personnelle de ce monde. Et se baser seulement sur les deux dessinateurs officiels Alan Lee et John Howe. Mais bon à cette époque internet n’existait pas donc !! je ne sais pas trop si on avait accès à cela. Mais peut être que j’aurais été déçu du film.

Peter Jackson a fait un chef d’œuvre sur le seigneur des anneaux, un peu trop de liberté sur le Hobbit, mais reste néanmoins aussi une prouesse. Je ne dirais rien sur les anneaux de pouvoir, saison 1 survolée, saison 2 pas vu

Je suis loin d’avoir fini les autres volumes de tous les écris de Tolkien, mais je m’y attèle. C’est quand même assez compliqué, surtout retenir les différents noms, les histoires différentes comme Beren et Luthien, il y a plusieurs versions, et surtout les changements qu’il a pu faire tout au long de sa vie. Quant à Peter Jackson on voit qu’il a bossé son sujet, qu’il s’est entouré des bonnes personnes. Une pensée pour Christopher Lee qui était un grand fan de ces œuvres.

C’est intéressant de voir que sur ta première partie de la Terre du Milieu, tu a écris des chansons indépendantes les unes des autres, lorsque l’on regarde de plus près et que tu écris sur Boromir, Galadriel, Tom Bombadil ou encore Nimrodel, alors que sur le deuxième partie tu continues en passant des premiers âges au troisième âge, on constate que cette troisième partie n’est plus du tout de la même teneur.

En fait sur ce dernier album , cette troisième partie, ce chapitre V, les chansons sont des actes, des mouvements qui ne parlent finalement que de deux histoires : Celle des Noldor qui partent en Valinor et celle de Beren et Luthien. Pourquoi ? Surtout que tu avais déjà écrit un titre sur Beren et Luthien... Qu’est-ce qui t’as poussé à décomposer les histoires en plusieurs actes ?

La raison est assez simple, sur le premier volet, j’ai repris tous les poèmes contenus dans la trilogie du Seigneur des anneaux. J’avais oublié qu’il y en avait autant. Le deuxième j’ai continué avec un peu du Hobbit. Je n’ai pas cherché à faire une suite logique.

C’est sur le troisième où là j’ai pris les « Lais du Beleriand ». Les poèmes sont très longs, il y a énormément de ligne à caser, pour cela que ces deux poèmes sont entre coupés. La version de Beren et Luthien sur le premier volet est différente des « lais du Beleriand », beaucoup moins détaillée.

Est-ce que les parties sur la Terre du milieu ne seront qu’au nombre de trois ou tu as l’intention dans faire quelques-unes de plus ? Parce que c’est toujours bien prenant d’avoir un décor musical, une couleur différente sur cette univers fascinant ?

A la base j’avais prévu d’en faire 4 avec un Design particulier d’une pochette coupée en 4 qui aurait pu se former en les mettant les unes à côté des autres. Mais le projet est tombé à l’eau par manque de temps, pour la personne qui me faisait le dessin. Je me suis donc résigné à faire du séparé. A l’heure actuelle le 4 n’est pas prévu. Mais je ne l’exclue pas, j’aime tellement cet univers, et il y a encore beaucoup de poèmes à exploiter.

Je viens de terminer le Chapitre VI qui sera une partie 2 de Baudelaire, mais le Mastering ne me convient pas, et à force de l’écouter, j’y vois des choses qui ne me plaisent plus. Là, il est en bordure de la poubelle. Je verrais plus tard pour le refaire.

Je me focalise sur mon autre projet, et cette annexe à la terre du milieu « Ainulindalë ».

D’ailleurs puisque l’on parle de couleurs, tu as fait le choix de n’avoir que du noir et blanc pourquoi ? A mon grand dam quand on regarde les pochettes de Summoning, c’est toujours grisant de profiter de la couleur, qu’en dis-tu ?

Je ne suis pas fan de la couleur, le côté sombre du noir et blanc, c’est vraiment ce que je préfère. Aussi bien pour les films, quand je vois que l’on s’amuse à coloriser de vieux films, je déteste ça. Même les vidéos que je fais sont en noir et blanc. Je suis daltonien, c’est peut-être la raison. Je trouve beaucoup plus beau une vielle photo noir et blanc.

Tout faire tout seul, puisque tu composes , tu joues, enregistres, mixes et masterises tout, ce doit parfois peut-être sembler astreignant , mais on s’aperçoit que tu es bien entouré, déjà sur le Chapitre 3 avec Limbaïrë, ou encore Necron et enfin et surtout Brice Acid Vicious qui est dans le milieu underground depuis tellement longtemps. Quel est ton rapport avec ces personnes talentueuses qui ne font pas parler d’eux pour être sous les feux de la rampe alors qu’ils ont un réel talent pour construire ?

Je dois beaucoup à Necron qui m’a beaucoup aidé pour le Chapitre II, il m’a expliqué les rudiments du Mastering, et les vst d’ampli. Etant donné que je me suis complètement coupé de tout ça depuis 2007, j’ai pris cette évolution de plein fouet. Je peux donc maintenant me débrouiller seul. Necron et son projet solo GERGOVIA, on se connait depuis 2004 , grâce à son premier album « Déclaration de guerre » qu’il m’avait envoyé pour être chroniqué sur METAL C.H.A.O.S. Alors on a reçu des centaines de Cd à l’époque. Et j’ai vraiment accroché direct avec lui, c’est devenu un très bon ami, bien que l’on ne se soit vu que très peu. C’est un excellent compositeur et musicien, grand fan de tout ce qu’il fait.

Limbaïrë je l’ai connu par le biais de sa chaine Youtube. Avec son compagnon Alexi, ils animent une chaine exclusivement sur Tolkien https://www.youtube.com/@tolkienenbref Une mine d’information sur la terre du milieu. Je l’ai contactée et découvrant qu’elle avait déjà fait des projets musicaux, je lui ai proposé qu’elle me récite le texte de l’anneau sur l’intro, puis la reprise de Gollum’s song tiré de la BO des deux tours que j’adore en version originale. Cette reprise je l’avais déjà enregistré bien avant en version Black Metal, j’ai donc voulu la faire en deux parties, version originale arrangée au piano, cordes et chœurs, et la version Black en seconde partie. Puis ce magnifique texte en Elfique qu’elle récite sur « Galadriel’s song of Eldamar ».

Brice oui bien sûr, il a toujours répondu présent pour le pressage, il est vraiment impliqué dans son Label. C’est vraiment une très belle rencontre. Un véritable passionné. Grâce à lui j’ai pas mal de CD un peu partout dans le monde.

Cette troisième partie semble avoir été écrite plus rapidement que les précédentes, y-a-t-il une véritable explication ou c’est le fruit du hasard ?

La composition est vraiment ce que je préfère, donc je traîne énormément en termes de mixage et mastering, en gros le chapitre III IV et V ont été écrits quasi en même temps. J’aurais pu sortir les 3 en une seule fois. La plupart des titres du chapitre V avait été écrit pour un autre projet, j’avais dans l’idée de faire un album avec une chanteuse dans le style The Gathering, mais le projet est tombé à l’eau, c’était trop Metal pour elle. J’ai donc réadapté toutes ces compos pour TERRAGON.

En fait sur quoi tu joues quand tu composes et quand tu enregistres ? La batterie n’est pas trop contraignante ?
Etant en appartement, tout est enregistré sur le PC. Carte son et VST d’ampli. La batterie c’est de la programmation via un VST.

Le chant, le plus compliqué en appartement, j’ai acheté une sorte de cabine, c’est efficace. Les guitares, je n’utilise que de la 7 cordes et basse 5 cordes. C’est devenu très simple maintenant, ce qui fait d’ailleurs grincer les dents des puristes. Mais bon ! s’il n’y avait pas cette possibilité, je ne le ferais pas car le budget studio quand tu es seul ce n’est pas possible, et vu qu’à mon niveau les ventes, ça ne représente rien !! il faut être raisonnable, ça ne reste qu’un loisir qui est déjà très onéreux.

Nous voici arrivés à la fin du voyage, je te remercie pour cet échange et avant de nous quitter qu’avons-nous oublié que tu souhaiterais dire avant de clore cette parenthèse ?

Et bien un grand merci à toi pour tes compliments, un plaisir d’avoir lu ta chronique.

Liens :

YOUTUBE@Terragon_officiel

FBterragon.Officiel

Arch Gros Barbare

21/04/2026

GROUPE: GALIBOT

TITRE ALBUM: Catabase

LABEL: Les acteurs de l’Ombre

DATE DE SORTIE: 2026

Faisant partie de cette nouvelle génération de groupes inspirés par le black metal qui revendique (ou pas) la dernière vague du black metal originel, GALIBOT prend tout de même les essences du mouvement (musicalement parlant) pour s’octroyer le plaisir d’offrir un black metal savoureusement bien écrit et loin d’être ennuyeux et sirupeux.

Il est évident que faisant dorénavant partie de l’écurie LADLO, vous n’irez pas chercher un black metal sauvage dans son authenticité, mais en fait plutôt violent dans sa sincérité. Et pourtant quand on écoute le groupe, sur leur première production, on y appréciera sur de longs endroits leur amour pour Emperor.

GALIBOT est jeune dans sa formation, mais déjà bien rodé dans sa manière de composer. En effet après la sortie de « Euch Mau Noir » en 2024, on s’aperçoit que 2026 fera parler coup sur coup de ce jeune groupe. D’abord parce que la signature avec les ténors du black metal contemporain leur a valu une réédition de ce « Euch Mau Noir » en bis mais non repetita, avec un changement de couleur (et pas que visuel) puis le rajout de deux titres dont l’excellente nouvelle version de « Schlamms ».

Mais ça en fait on s’en fout ; coup sur coup parce qu’ à cette réédition (ce premier mini album) fait rapidement suite « Catabase », qui bien que seconde réelle production, celle-ci a plus les airs d’un véritable premier album.

GALIBOT propose d’abord textuellement la découverte des contrées nordiques de l’hexagone avec une vision beaucoup plus authentique et torturée, beaucoup plus sombre bien sûr que certaines productions du « septième art » ayant mis à l’honneur les « Ch’tis » . Car ici avec une raison certainement plus travaillée et sérieuse, au travers de son black metal agressif mais mélodique, GALIBOT soumet à votre approbation quelques ouvertures de fenêtres avec un regard noir sur l’industrie , les corons, les mines de charbon et donc l’héritage de ces contrées. Une thématique déjà peu mise en avant dans la musique extrême.

Mais ici GALIBOT s’empare véritablement de cette vie de misère pour lui rendre hommage dans une musique encore plus profonde, encore plus solennelle et sincère sur ce nouvel album « Catabase ».

Un album d’une auguste noblesse et d’une intensité incroyable.

D’une auguste noblesse parce que ce digipack met réellement en valeur le bassin minier et vous entraîne dans un abîme ténébreux et rempli d’histoire(s), sur un artwork et un lay out de Roy de Rat offrant un décor ultime du monde dans lequel vous pénétrez avec « Catabase ». Les couleurs et la mise en valeur du logo de GALIBOT sur ce digipack à la texture somptueuse (ce que vous ne pourrez jamais avoir en numérique) sont d’une qualité supérieure qu’il est obligatoire de mettre à l’honneur.

D’une intensité incroyable parce que l’album démarre sur des chapeaux de roue juste après l’introduction tellement réaliste « Catabase » annonçant une descente aux enfers à la découverte d’une explosion de puissance. Une évolution rapide se constate sur ce nouvel album, avec « Jeanlin ».
« Jeanlin » qui brille avec véhémence où l’on peut apprécier les lignes vocales claires de leur hurleuse Diffamie (des vocaux clairs dont vous aurez plusieurs passages anecdotiques durant l’album) . Et c’est sur cette première chanson dont la production est signée Julian Baquero/ Francis Caste (que l’on ne présente plus) que ces nordistes viennent asseoir leur maturité et imposer leur force.

GALIBOT a pris du relief par rapport à « Euch Mau Noir » et arrive déjà à écrire un black metal impressionnant de sagesse où plusieurs générations d’inspirations viennent se compléter tout au long de l’album.

A partir de là, ce qui vient à vous, c’est une avalanche de titres impressionnants de robustesse et de hargne dans un black metal qui se voulait contemporain mais qui devient tout à coup intemporel.

En puisant son inspiration dans la violence d’antan et le déchaînement actuel, GALIBOT arrive à écrire un album indispensable en peu de temps.
« Bleu noir rouge » et les sonorités d’un accordéon discret, ou l’environnement très 90’s de « Voreux » dans ce black metal pourtant ancré dans le rancissement de ces dernières années à la Otargos, conservent cette magnificence noire avec des rythmiques d’une régularité sans faille , des doubles vocaux et un lead aux allures guerrières.

Quatre titres et quatre titres épiques où l’on s’enfonce petit à petit dans cette mine sombre et austère.

Tout l’album est construit dans la passion et l’émotion. Tandis que « Baptise terre » vous enfonce encore et toujours en tant qu’instrumental dans les profondeurs avec ici aussi une incommensurable majesté, GALIBOT poursuit sa route sur cet album dont l’avenir semble déjà tout tracé.
Le titre révélé « Penitent » se place au centre de l’oeuvre, où l’on retrouve les vocaux clairs qui adoucissent presque l’image du groupe (heureusement passages subtils mais courts) , pour mieux repartir dans cette lancée haineuse.

Une lancée haineuse parce qu’avec « Les montagnes poussent sous terre » on retrouve aisément cet état d’esprit plus primaire guidé par les âmes des vieux Dark Throne de l’époque de « Panzefaust » avec du riff à la « Quintessence » mais mieux produit, dont la portée se veut plus mélancolique que diabolique. Mais tels sont aussi les environnement du black metal de maintenant.

Un titre qui prend un envol phénoménal où les guitares se subliment les unes aux autres et où le chant vous guide dans la souffrance.

C’est certainement les textes d’aujourd’hui qui diffèrent vraiment de l’état d’esprit black, car le mal est humain et non plus déifié. Alors que GALIBOT vous propose la pause dans l « Estaminet » avec une musique aussi noire que leur café, c’est encore une fois un petit clin d’oeil à Emperor qui vient à point nommé avec un rappel au début de riff de « I am the black wizards » alors que ce titre prend une tournure beaucoup plus death metal en son centre.

En effet GALIBOT s’auto-mutile pour faire apparaître des riffs qui vous ordonnent de vous battre dans une brutalité plus blackened/death core. Et le mélange des deux avec le rapide rappel de lead ultra aiguisés juste après, est simplement savoureux.

Ainsi ira l’album jusqu’à son terme sur les trois derniers titres, de « Terril » à « Mesektet » en passant par «  Saint Cordon », GALIBOT ne déçoit pas et mène l’auditeur jusqu’au terme de sa descente aux enfers (comme l’indique le titre de ce nouvel album) jusqu’au royaume des morts que vous pouvez admirer sur l’intérieur du digipack.

Avec un tel niveau d’excellence, attention à ne pas tomber de haut lorsque l’on écrit quelque chose qui inspire le respect musical , parce que lorsque la barre est excessivement haute, il faudra alors savoir prendre du recul pour se hisser toujours plus haut. GALIBOT devra être vigilant sur sa prochaine production, pour conserver le niveau. Mais en attendant voici quarante et une minutes qui explosent plus fort que le coup de grisou tant attendu.

Arch Gros Barbare

21/04/2026

Le heavy metal est une vague de musique qui perdure depuis les années 70’s, on l’a pensé enterré, mais jamais ce style n’a disparu de nos oreilles, jamais le heavy metal ne s’est effacé de notre ligne d’horizon, parce qu’il possède tellement de coeur, tellement de passion, tellement d’inspiration qu’il sera là jusqu’à la fin des temps.
En France, THE LOSTS en est un grand et fier étendard, et depuis seize années ce groupe du Nord de la France n’a jamais cessé de mettre en valeur les couleurs de cette vague, bien que leur style soit légèrement plus sombre, mais à chaque fois grisant.
Troisième album sorti en toute fin de l’année dernière, il y a quelques mois, « Venom Within » est certainement l’album le plus abouti de THE LOSTS aujourd’hui. Et si musicalement le groupe fait toujours vibrer, il fallait savoir si les envies étaient toujours les mêmes après tout ce temps.
Entrevue écrite très intéressante avec Yann, guitariste chanteur du groupe. Entrez dans la danse…

Bonjour à toi, j’ai eu du mal, mais nous y sommes enfin. seize ans, seize ans que THE LOSTS existe, d’abord ce qu’il me semble important de savoir, c’est est-ce que la flamme est toujours la même seize ans après ? Est-ce que les objectifs sont les mêmes quand on s’est installé professionnellement, « familialement » avec éventuellement des enfants , et un emploi du temps totalement différent de ce qu’il était il y a seize ans ?

Hello Arch ! Merci de prendre ce temps pour nous !

En 16 ans, la passion évolue forcément. Nos rêves de tremplin et de conquête ne sont forcément plus les mêmes qu’à nos débuts, nous relativisons avec l’âge. La conjoncture pour faire vivre la musique a aussi énormément évolué, ne laissant plus si facilement la possibilité de promouvoir un album sur les planches. C’est un élément extrinsèque qui a forcément une incidence sur la foi. Toutefois, nous sommes fiers de ce que nous avons accompli avec THE LOSTS, fiers d’être toujours là après toutes ces années. C’est toujours une chance de continuer à écrire de la musique et, qui plus est, une musique qui s’est dessinée au fil des années et qui nous appartient bien plus qu’au démarrage du groupe. Comme tu le mentionnes, poursuivre ce projet en parallèle de nos vies personnelles, très différentes les uns des autres, est parfois un challenge mais on s’en sort et la sortie d’un album est toujours un événement grisant !

De la même manière, un ep et trois albums vu que « Venom within » est donc le troisième album de THE LOSTS, est-ce que l’on aborde, déjà l’écriture d’un troisième album après tout ce temps, de la même manière que la première production ? Je veux dire vu que les motivations ne sont plus les mêmes, est-ce que vous avez estimé qu’il n’y avait aucune deadline, aucun timing obligatoire pour sortir ce « Venom Within », tandis que lorsque vous avez sorti « No god no Devil » à l’époque ça ne devait pas être la même impatience ?

Nous n’avons bien sûr pas abordé le travail de la même manière entre notre première et notre dernière production, déjà parce que nous avons énormément appris dans ce laps de temps tant sur la composition que sur l’enregistrement, la production ou même la planification. Concernant la notion de deadline, j’aurais tendance à dire que cela a fonctionné à l’inverse. Du temps de « No God, No Devil », les choses étaient certes bien moins peaufinées, elles ont donc nécessité moins de temps mais nous n’avions aucun délai. Pour une production comme « Venom Within », il faut pouvoir se fixer un calendrier car il y a une succession d’étapes avec beaucoup à penser et, sans limite, on pourrait vite laisser traîner les choses ou ne jamais s’arrêter de retravailler les titres. Phil (Reinhalter, notre producteur) a parfois dû nous dire : « Stop les gars, là, on y est ! ». Le processus de cet album, du lancement de la préproduction à la sortie du disque, s’est déjà étalé sur presque deux ans. Pour ce troisième album, il y avait également une pression à la composition que nous n’avions pas vraiment ressentie auparavant. Après « Mystery Of Depths », nous n’avions plus de matériel en stock. Il a fallu affronter une certaine angoisse de la page blanche pendant les premières sessions de composition. Pour ce qui est de l’impatience, même si nous ne sommes plus dans la découverte, je pense qu’elle reste bien pressante à chaque préparation de sortie ;-)

Deux autoproductions et ici avec « Venom within » une signature. Qu’est-ce qui a changé pour que vous ayez eu envie de ne plus tout contrôler vous-mêmes d’autant plus que Inverse records est un excellent label finlandais ? Il y a eu du bon taff de leur côté ?

Pour promouvoir nos deux précédents albums, nous avions travaillé avec Ellie Promotion. Par son intermédiaire, nous avions eu également un deal avec Season Of Mist pour distribuer « Mystery Of Depths ». Cette collaboration a été importante pour nous et Elodie d’Ellie Promotion a fait un super travail pour lequel nous lui serons toujours reconnaissants. Avec « Venom Within », nous souhaitions passer un cap en essayant une nouvelle approche. Nous avons démarché de nombreux labels, avons reçu plusieurs réponses plus ou moins sérieuses et sélectionné la plus intéressante, celle avec laquelle nous avons eu le meilleur contact… celle d’Inverse Records ! Nous sommes particulièrement fiers de cette signature car nous sommes l’un des seuls groupes français du roster. Inverse Records a une très bonne réputation et un rayonnement qui nous a permis d’être diffusés partout sur les ondes et de recevoir de belles chroniques de toute l’Europe, d’Amérique du nord et du sud. Inverse Records est dans le circuit depuis des années, il sait ce qu’il fait.

Chaque étape d’évolution de votre groupe a toujours montré une pochette d’album différente, mais à tous les niveaux, et là aujourd’hui c’est ce rouge et blanc de Alek Vladski qui nous rappelle, en tous les cas me rappelle ce trash polska contemporain bien mis en avant ces dix dernières années, un peu partout et beaucoup en tattoo. Alors qu’est-ce que vous vouliez mettre en avant avec cette illustration qui tranche pas mal de vos précédentes, même si quelque part celle de « Mystery of depths » a pu servir d’intermédiaire ?

Nous avons toujours accordé une place importante aux visuels, en explorant des directions différentes d’une production à une autre. De la photo retouchée par DGC sur « No God, No Devil », du graphisme de Stan W. Decker (qu’on ne présente plus) sur « … Of Shades & Deadlands », du dessin au stylo sur « Mystery Of Depths » par Chadwick St John qui avait travaillé pour Darkthrone, il était temps de changer une nouvelle fois de visage. Alek est un artiste indépendant lillois avec qui nous projetions de travailler depuis longtemps. Les étoiles étaient bien alignées entre sa disponibilité et notre nouveau projet. Alek a fait un peu de tatouage mais c’est marrant parce que je n’avais jamais fait le rapprochement entre ses créations et le monde du tattoo. Il crée des motifs, en fait des tableaux patchwork à partir de dessins, de collages, y ajoute des touches de peinture… C’est très fouillé et personnel. Avec « Venom Within », le concept des Egarés (développé depuis notre premier EP) pose la question de l’existence, de notre nature en tant qu’êtres humains, de ce pouvoir dont nous disposons de créer et de détruire… de ce venin intérieur qui nous hante et peut parfois nous mettre, ainsi que notre environnement, en péril. J’ai toujours adoré feuilleter les planches naturalistes pleines de croquis, de formules, de notes griffonnées comme on peut en trouver chez Deyrolle par exemple. C’est un observatoire de la vie dans toute son essence. Le style d’Alek m’évoque tout à fait cet univers. Il avait donc tout le potentiel pour illustrer très justement la nouvelle orientation conceptuelle de nos textes.

Du coup THE LOSTS Heavy ou thrash ?

Je dirais Dark Heavy ;-)

Malgré tout le côté sombre de THE LOSTS influe pas mal sur votre musique ce qui rend votre heavy metal du coup pas si facilement heavy metal et vos influences musicales plus ténébreuses doivent largement y participer. Quand on écoute l’intro de « A dark place to hide » ou encore « Mellem Verdenerne » et « Exponential Law » ça montre littéralement l’amplitude musicale de THE LOSTS et c’est cette ouverture d’esprit qui fait la force également du groupe . Alors si tu devais vraiment définir musicalement la musique de THE LOSTS sans utiliser aucune étiquette musicale, aucune référence de style , comment présenterais-tu THE LOSTS ?

THE LOSTS compose une musique sombre, dynamique et profondément mélodique qui explore les possibilités vocales. Si elle s’exprime essentiellement sur le plan électrique, elle se joue des bornes de la musique dure et extrême et n’hésite pas à inviter, le temps de quelques notes parfois discrètes, à un voyage autour du monde. La diversité de notre musique est notre force et aussi notre fragilité puisqu’elle ne rentre pas vraiment dans les cases (ce qui a d’ailleurs toujours rendu complexe la recherche d’un label qui ne soit pas exclusivement dédié à un style).

Qu’est-ce que tu en penses ? J’ai respecté la consigne, non ? Je n’ai cité aucun style :D

C’est vrai tout de même qu’à l’écoute de « Muspellsheim Ascent » on flirte réellement avec un esprit black mélodique non ?

Tout à fait !

« Until The End », sur l’album précédent s’inscrivait déjà dans cet esprit. C’est une direction que nous aimons beaucoup. Elle permet notamment à JCR de prendre davantage le devant de la scène, de par ses excellentes interprétations vocales extrêmes. J’écoute pas mal de Black Metal, et JCR encore davantage. Un esprit IMMORTAL plane toujours un peu au-dessus de nos têtes. C’est donc assez naturellement que les sessions de composition nous ont emmenés vers ce morceau. Le texte a trouvé son inspiration dans les « Edda » de Snorri Sturluson, on ne peut être davantage aux racines du paganisme scandinave ! « Muspellsheim Ascent » est une allégorie de l’ascension de l’espèce humaine à travers les âges, de son ambition, parfois, de se rapprocher d’une certaine stature divine, avec le risque cependant de se brûler les ailes...

Alors que le père Rob Halford prend de l’âge je trouve que ta voix a pris à chaque album encore plus d’assurance, encore plus de puissance, et quelque part se rapproche pas mal de Rob Halford quand tu te sens l’envie d’aller chercher la note assez haut, et c’est plutôt flagrant sur « Exponential law » justement. C’est quelque chose que l’on t’as déjà dit ? Est-ce que toi tu t’en aperçois et du coup comment tu as travaillé ta voix depuis toutes ces années ?

J’ai souvent lu des références à Rob ou Bruce Dickinson au fil des articles. Bien sûr, c’est flatteur. Ce sont des figures emblématiques et incontournables avec lesquelles, comme tout bon metalleux se respectant, j’ai grandi. J’ai bien conscience que lorsqu’on pousse les aigus, on s’inscrit de fait dans le giron de Rob. Tout comme lorsqu’on use du vibrato, on s’inscrit dans le giron de Bruce. Pourtant je situerais davantage mes influences majeures du côté de Snowy Shaw, King Diamond, ICS Vortex et, bien sûr, toutes proportions gardées sur l’échelle du talent et de la grâce, Andre Matos ! Ces dernières années, j’ai aussi découvert le chanteur norvégien Sturle Dagsland. Il a une hallucinante palette vocale qui m’inspire beaucoup.

Quand j’ai débuté le chant, il y a une petite vingtaine d’années (je suis avant tout guitariste), j’ai eu besoin d’un accompagnement orthophonique pour un enrouement chronique. Je plaçais mal ma voix. Des cours de chant lyrique avec un baryton de l’Opéra de Lille m’ont permis de comprendre tout un tas de choses sur l’appareil phonatoire et ses résonances, le souffle. J’ai pratiqué des exercices d’échauffement du larynx pendant plusieurs années. Je ne ressens plus le besoin de travailler ma voix maintenant. Je connais bien mes forces et mes fragilités. Je pense que c’est ce qui te fait dire que ma voix a pris en assurance. Je connais aussi bien les incidences… ma voix est une vraie éponge. Quand je suis stressé, elle est directement impactée. Mais je sais ce que je dois faire pour la protéger.

Les backing ont tout de même leur mot à dire dans le musique de THE LOSTS parce que tout le monde met la main à la patte pour faire du backing vocals, qu’ils soient de toutes les couleurs, notamment thrash ou black. Il n’y a pas parfois une envie de tes compères de prendre plus de place sur le chant pour te donner matière à répliquer ?

C’est quelque chose que nous développons depuis longtemps mais c’est vrai que d’album en album, nous tentons de laisser toujours plus de terrain au collectif. Je pense qu’on a trouvé un meilleur équilibre sur « Venom Within ». J’aime beaucoup les groupes comme KISS qui se partagent les chants, même si le registre de chacun de ses membres est assez similaire. Jouer avec les tessitures apporte beaucoup de richesse à la musique. Nous verrons où cela nous mènera à l’avenir, mais la porte est grande ouverte aux expérimentations, aux idées et aux envies de chacun.

En réécoutant chaque album de THE LOSTS on sent nettement l’évolution à chaque nouvel album, cette facette épique reste tout de même collée à votre musique, mais c’est la maturité que l’on ressent surtout sur ce dernier album, une maturité très sûre d’elle qui fait de la musique pour se faire plaisir et surtout faire plaisir aux autres. Vous avez modifié des choses dans votre manière de composer, d’enregistrer sur ce nouvel album ? Explique nous d’ailleurs un peu la production avec Phil de Putrid Offal vu que vous avez fait appel de nouveau à lui et El Mobo dont nous n’avions plus de nouvelles depuis un bail de notre côté ? Ça se passe comment quand un gars comme Phil vous produit, parce que le grind est à des années lumière de votre musique ?

Pour « Mystery Of Depths », nous avions tout enregistré de notre côté et nous avions livré l’album brut à Phil. Il ne restait qu’à l’éditer, le mixer et le masteriser. Phil avait ressenti un peu de frustration car nous n’avions pas pu aller au bout de certaines idées et il avait dû travailler avec une matière difficilement modifiable. Pour « Venom Within », nous avons pris le parti de travailler de manière plus collaborative. Nous avons enregistré une pré-production qui nous a servi à affiner le fil conducteur de l’album et les arrangements avec Phil. Nous lui avons laissé carte blanche dans la direction artistique et il nous a poussés dans nos retranchements, ce qui a été très formateur. Puis, une fois cette base retravaillée, nous avons tout réenregistré, batterie et basse au WaveLight Factory de Phil, guitares et chant dans notre home-studio, avant que Phil ne passe à la phase de mixage. L’album mixé est ensuite passé entre les mains de Mobo au Conkrete Studio. Ce processus a donné une bien meilleure cohérence à l’ensemble.

Côté composition, « Venom Within » est une œuvre également bien plus collective. J’avais pour habitude d’écrire beaucoup de squelettes de nos chansons. Ici, tant DGC que PPG ont fait de même. PPG n’avait pas pu participer à la composition du précédent album, étant arrivé dans le groupe à la fin du processus de production. Il a un sens de la composition et du groove vraiment intéressant. Depuis son arrivée, la musique de THE LOSTS s’en est trouvée grandie !

Enfin, Phil est un excellent musicien et technicien. Au-delà du grind, il enregistre beaucoup de choses différentes et sonorise des spectacles variés. Il a une oreille très aiguisée et des conseils très avisés de producteur. L’avoir à ses côtés constitue une véritable plus-value dans le processus de création d’un album. On s’est beaucoup nourri mutuellement. Il a parfaitement compris notre musique et ce que nous souhaitons en faire. Du grind, il garde peut-être un réflexe : il aime beaucoup raccourcir les morceaux :D Mais c’est tout à son honneur car ceux-ci gagnent en impact !

Et parle moi un peu des guests ?

Celles et ceux qui suivent l’histoire de THE LOSTS savent qu’on aime faire participer notre communauté. L’idée de « Mellem Verdenerne » (« entre les mondes » en danois) était de transporter l’auditeur d’une dimension musicale orientale à une dimension musicale occidentale, plus spécifiquement nordique. Ce morceau s’inscrit dans le concept des Egarés en évoquant la représentativité de l’humanité. Le terrain était rêvé pour solliciter OfRo, un producteur et compositeur tamoul très renommé en Inde, qui s’avère être également notre beau-frère, à DGC et moi-même. Il a magnifiquement complété le morceau sur le plan rythmique, en y ajoutant des percussions indiennes et beats électro. Gabrielle, ma fille, a apporté quelques notes de piano sur la partie plus baroque du morceau, pour soutenir ma mandoline. Elle avait déjà participé à un de nos albums puisque c’est elle, la petite voix que l’on peut entendre en introduction de « Dr Punkelstein – The Maximator » sur « … Of Shades & Deadlands ».

Enfin, nous souhaitions développer un duo avec une voix féminine. DGC côtoyait Valérie du groupe de Metal gothique Penumbra, dans le cadre professionnel. Il nous a donc suggéré cette excellente idée. Elle a tout de suite accepté le projet et nous avons été enchantés de sa contribution !

Quand on écoute « Here comes tragedy » avec la participation de Valérie de Penumbra, la musique de THE LOSTS prend encore un autre tournant. Alors ma question est simple, quand on connaît Penumbra, est-ce que le morceau « Here comes tragedy » avait été dans cette intention presque sympho ou quand vous y avez intégré la participation de Valérie vous l’avez fait évolué au fur et à mesure de l’enregistrement, parce qu’il a tout particulièrement une facette très orchestrale, même si vous y gardez une signature tellement heavy metal traditionnel sur le solo ?

« Here Comes Tragedy » avait été écrite au départ dans une veine MEMENTO MORI. Elle a pris son essence à l’enregistrement, avant de devenir le théâtre du duo de voix. J’avais imaginé le chœur d’avant solo en pré-production, Phil avait proposé les pizzicati sur l’introduction et les nappes de claviers soutenaient ma voix sur les refrains. On pouvait déjà trouver ce type d’orchestration sur « The Drug I Miss », dans notre précédent album. Le guest avec Valérie aurait pu tomber à l’eau car l’incorporation de ses voix s’est faite un peu au dernier moment… On a bien fait de s’accrocher à l’idée car le titre a encore pris une toute autre dimension !

Je parlais de KISS tout à l’heure. C’était la référence principale pour la partie solo. Un morceau sombre et atmosphérique avec une étrange rupture hard rock en guise de final ;)

En fait cet album me fait halluciner tellement il a de la puissance sur chacun des morceaux. Je parlais de côté épique, mais c’est simplement excellent sur « The headless cross reloaded », le riff est terriblement efficace. Vous vouliez parler de quoi en titrant celui-ci « The headless cross reloaded » ?

« The Headless Cross » est le tout premier morceau que nous avons enregistré, pour apparaître sur la compilation Howl #1. C’était en 2011, au LB Lab. Nous avions d’ailleurs utilisé la première batterie d’Hervé Coquerel de LOUDBLAST pour l’enregistrement. On avait fait ça en une ou deux journées express, on n’était clairement pas prêts, nous découvrions le monde du studio. Cette démo a été remasterisée pour paraître sur notre premier EP « No God, No Devil », en 2013, mais nous n’en avons jamais été satisfaits. C’était une chanson importante à nos débuts. Elle marquait également les premiers propos de la Genèse des Égarés : « Pas de Dieu, pas de Diable pour les guider, sous la croix sans tête, ce sont les Egarés ». Ce qui est un peu devenu la devise de THE LOSTS. On trouve la fameuse « Croix sans tête » sur la tranche de chacun de nos CDs.

Nous avions toujours en tête de la réenregistrer. Nous avons donc réécrit certaines parties pour coller à notre évolution et l’avons rebaptisée « The Headless Cross Reloaded ». Comme on entend JCR l’éructer dans cette nouvelle version : « We’re still lost ».

Voici quelques mois que ce nouvel album est sorti puisqu’il est dispo depuis la toute fin de l’année 2025. Est-ce que quelques dates sont prévues , je sais que vous avez joué à Lille, mais est-ce que quelques excursions sont prévues qu’on puisse vous saluer sur les planches ?

Je t’avoue en toute transparence qu’on touche ici un point sensible. J’évoquais un peu plus haut, le climat devenu complexe pour la scène. A la sortie de « Mystery Of Depths », le monde revivait après l’étrange période COVID. Nous n’avions eu quasiment à faire aucune démarche de booking, nos dates reposaient sur la base d’invitations de festivals ou d’organisations. 5 ans plus tard, malgré une étape encore supérieure franchie avec cet album et la signature sur un label, c’est une toute autre ambiance qui nous cueille. Nous nous sommes retroussés les manches pour programmer des dates mais nous sommes confrontés pour la première fois depuis nos débuts à des salles qui ne répondent pas, des festivals qui estiment que nous sommes « trop pro » pour leur programmation, « trop metal » ou « pas assez extrêmes ». Nous n’arrivons toujours pas à passer la barre de certains festivals pour lesquels nous postulons régulièrement. Nous avons dû refuser deux dates, l’une au Luxembourg, l’autre à Amsterdam, pour cause de conditions déplorables qui nous auraient coûté des bras (et on a bien besoin de nos deux bras pour jouer). Bref, nous sommes très circonspects, un peu désabusés aussi. Nous sommes conscients que nous ne rentrons pas dans les standards actuels consistant à inonder les réseaux de clips, captations live ou autres stories. Ça ne nous intéresse pas spécialement. Mais il y a de quoi s’interroger… C’est assez triste et peut-être y a-t-il quelque chose à accepter dans l’évolution du monde du spectacle.

Avant de se quitter j’aimerais que tu me parles de ta passion pour ANGRA, que tu me parles de leur découverte, de leurs albums de leurs chanteurs, parce que c’est tellement bon d’écouter ou de lire les fans quand ils parlent avec passion d’un groupe qu’ils adorent.

Oulà, tu me lances sur un sujet dont ni toi ni moi ne risquons de ressortir indemnes :D

Plus qu’ANGRA, c’est d’Andre Matos dont je suis véritablement fan. Bien sûr, la période 92-98 du groupe représente, pour moi, la perfection musicale, la symbiose ultime entre musiciens. Mais, après leur split, même si j’ai suivi le tandem de guitaristes jusqu’à la fin de l’ère Edu (je n’ai pas du tout aimé la période Fabio. Je n’ai pas trouvé le chanteur à sa place), j’ai surtout voué culte et fidélité à Andre.

Cet amour a débuté en 1996, à la découverte du morceau « Nothing To Say » sur la compilation « Metal Explosion Volume 2 » de Metallian, acheté pour quelques francs qui traînaient dans ma poche de jean. Un copain m’avait ensuite prêté l’album « Holy Land », que j’avais copié sur une cassette préenregistrée de new age, trouvée dans un placard de mes parents. J’y avais mis du Scotch sur les encoches pour pouvoir enregistrer dessus. J’étais à l’aube de mes 15 ans et j’étais essentiellement fan de MEGADETH à ce moment (une autre passion qui n’a pas diminué avec le temps). « Holy Land » a été un puissant revers de la main sur ma joue d’ado en quête d’exploration. 30 ans plus tard, cette œuvre reste un trésor plein de mystères que je chéris précieusement et de manière inconditionnelle. Comment ce groupe a-t-il pu synthétiser l’énergie d’HELLOWEEN, la maestria de QUEEN, la plume de Schubert, et la cadence de Caetano Veloso avec autant de finesse, de virtuosité, d’éclat ? « Holy Land » est d’une richesse renversante, il incarne à lui seul le concept de liberté. Et puis, en son noyau brûlant, il y avait Andre, mon maître à écrire, mon maître à chanter, mon maître à vibrer.

J’ai poursuivi ma rencontre avec lui à rebours, avec les autres chefs-d’œuvre que sont « Angels Cry », « Reaching Horizons », mais également VIPER et ses deux albums. Puis les EP et « Fireworks » d’ANGRA, la démo de LOOKING GLASS SELF, le projet VIRGO, l’après ANGRA avec SHAMAN bien sûr, ANDRE MATOS BAND, SYMFONIA, ses participations ci et là… Andre avait un peu perdu de son aura, pourtant jusqu’à « The Turn Of The Lights » - dernier album studio - je lui ai toujours trouvé une rare portée émotionnelle. J’ai tant espéré son retour sur des scènes européennes, un album de VIPER faisant suite au single de 2020, voire…. une reformation d’ANGRA, jusqu’à cette terrible annonce du 8 juin 2019. Je ne l’aurai rencontré que deux fois. Je trouve tellement injuste qu’il n’ait pas davantage marqué l’Histoire de la musique, au-delà des bornes de la musique metal. Son timbre touchait au divin et sa plume en dessinait un écrin. Il avait tout d’un maestro. Il me manque terriblement. Je serai présent le 23 septembre à l’Olympia, pour lui rendre un ultime hommage.

Je pourrais te faire un roman mais j’ai peur que vous ne soyez plus très nombreux à le lire:D

Je te laisse la dernière phrase, et surtout nous indiquer où , comment, quand on peut vous contacter, vous voir, acheter vos productions et votre merch, merci à toi pour ce temps consacré et à très bientôt.

Je te remercie pour ton soutien bien présent depuis nos débuts !

« Venom Within » est disponible en version CD sur le site d’Inverse Records ou sur notre page Bandcamp (attention : frais de port internationaux, le CD voyageant au départ de la Finlande). Il est également en écoute sur toutes les plateformes de streaming.

Vous pouvez retrouver nos précédentes productions et le merch associé sur notre page Bandcamp.

Mais que ce soit pour une commande, quelques mots ou un booking, n’hésitez surtout pas à nous contacter directement via nos réseaux sociaux. Nous avons nos propres stocks de produits et nous prendrons le temps de vous répondre avec grand plaisir !

Liens :

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Bandcamp The Losts
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Arch Gros Barbare
20 04 2026

GROUPE: SLAVEONE

TITRE ALBUM: The Seraphic Conspiracy

LABEL: Crypt of Dr Gore

DATE DE SORTIE: 2026

Voici déjà dix sept ans que SLAVEONE dissémine sa musique par delà les frontières , par delà les univers connus, parce que leur musique n’a de cesse de connaître une constante évolution. A l’instar de groupes tels que Gorguts évidemment, mais Blut Aus Nord également, SLAVEONE ne possède aucune étiquette, ne revendique aucun territoire, mais s’étend étrangement vers des contrées musicales que peu ont réussi à explorer et arrive à construire une réelle noblesse d’âme musicale au fil des ans. Le résultat fait qu’en s’approchant de la vingtaine d’années d’existence ce groupe a transformé sa musique album après album (et pourtant comme jadis certains grands groupes, ils ont une manière d’écrire posée et calibrée, car la qualité se mesure aussi sur le nombre de productions qui sont tout sauf pléthoriques) vers quelque chose de tellement singulier, de tellement personnel, que surfer simplement sur une écoute superficielle ne permettra jamais de comprendre la terrible profondeur de leur « death metal » devenu polymorphe aujourd’hui . Et paradoxalement autant leur humour omniprésent est bien souvent de piètre qualité (mais ça , on l’a compris depuis longtemps) qu’il est à des années-lumière de la qualité artistique et de composition d’un groupe de cet acabit.

SLAVEONE offre, en France en tous les cas, une musique intemporelle et unique.
Unique parce que personne sur cette scène hexagonale n’arrive à créer un univers aussi stellaire et nébuleux que celui des montargois.

Unique parce qu’ en plus de cette construction musicale complexe, vient toujours se mêler des artworks (signé ici sur ce nouvel album, par Belial Necroart) et des illustrations toujours extrêmement bien peaufinées, soignées, travaillées où le résultat est toujours à la hauteur de l’investissement.

Unique parce que les galères et les embûches qui se sont mises au travers de la route du groupe, au niveau du studio, au niveau des parties batterie, ne pouvaient arriver qu’à SLAVEONE.
Intemporelle parce que sur scène l’atmosphère est encore totalement d’une autre galaxie en comparaison avec le résultat studio et l’on découvre une réelle ouverture sur autre chose en terme d’émotions.

Intemporelle parce que le temps que vous ayez réellement ingurgité la portée de la composition , vous n’aurez jamais le loisir de dire de manière grégaire « vivement le prochain ».
Intemporelle parce que bien que les albums de SLAVEONE avoisinent toujours les quarante minutes, vous aurez toujours cette sensation d’infini qui transcende leur musique de manière spectrale.

Et la somme de ces deux adjectifs est indissociable parce que SLAVEONE crée un univers à lui tout seul grâce à une esthétique toujours très bien léchée où chaque édition en coffret limité va toujours plus loin, toujours plus « beau » ( proposant même un artwork différent)

Voici donc ce qu’est SLAVEONE au fur et à mesure des années, un groupe implacable ; un groupe irréprochable et qui construit sa musique comme un horloger suisse fabrique ses pendules avec une précision chirurgicale à ceci près que maintenant SLAVEONE réussit à stopper le temps à le suspendre et non plus à le chronométrer ou à le segmentariser. En un mot, un groupe indispensable.

INDISPENSABLE car il permet de donner à la musique quelque chose d’inaccessible qui donne matière à penser, à réfléchir et à réellement apprécier sans pouvoir la retenir de manière trop aisée.

Et voici donc ce qu’est exactement ce nouvel et troisième album de SLAVEONE.
Le groupe est allé encore plus loin vers une disharmonie calculée et pourtant très bien orchestrée.
Les racines absconses de leur death metal très ésotérique sont toujours là, ce qui s’entend très bien sur «  A sigil traced with coal », la voix de Tarvos est malléable et sait elle aussi s’adapter aux déclinaisons obscures que prennent constamment les chansons de SLAVEONE.

Et donc, même si les racines death sont toujours là, encore une fois, le groupe avance dans sa propre évolution. Et même si le groupe demeure constant dans son avancée vers une musique enténébrée, on sent qu’il veut aller plus loin dans la déconstruction. « Daeva-Avestan vortex », c’est un peu l’ « Uroboric » ou l’ « Aeon dissonance » de ce nouvel album. SLAVEONE progresse vers sa thématique cabalistique, et si la batterie est toujours aussi massive, on sent vraiment sur ce titre la volonté d’écrire une musique filandreuse où la confusion vient embrumer les esprits grâce à des passages extrêmement hermétiques et impénétrables qui ne se laissent apprécier qu’à la condition de réellement écouter les variations de guitares et de vocaux.

On n’écoute pas la musique de SLAVEONE comme on écoute Amon Amarth, le seul point commun c’est que les rameurs devant la scène vont juste ramer pour atteindre la subtilité des riffs et finalement leur côté réellement obscur et sibyllin. Ceci SLAVEONE le maîtrise de plus en plus en offrant à ses disciples un héritage death metal mais qui aujourd’hui commence à n’en laisser percevoir que les racines. « Sulphur » est d’une épaisseur imposante mais permet de respirer à chaque changement de mouvement pour mieux prendre une facette presque black metal intergalactique que l’on constate sur certains autres morceaux.

Ainsi la musique de SLAVEONE est devenue réellement sophistiquée dans le sens où chaque rythmique est dans la recherche d’une distinction pure, d’une complication et d’une subtilité extrême pour ne jamais offrir de facilité. Du coup « Suplhur » est à « The Seraphic Conspiracy » ce que Thanos est aux Avengers dans « Infinity wars » et « Endgame ».

L’ensemble de l’album est comme cela, bardé également de petit moments excentriques et biscornus comme sur « The Seraphic Conspiracy » ou « Ash-covered Guru », qui vous perdent encore plus dans ce trou noir béant et rempli d’anti-matière qui ne demande qu’à exploser ou imploser. Avec cette particularité que « Ash-Covered Guru » possède une projection musicale plus terre-à-terre que ces consœurs sur l’album , tandis qu’à côté de cela la folie des trois actes de « The adversal path » aura fini de vous déstabiliser complètement. Ce denier titre, décomposé en trois actes « Profane-Penitent et Theistic » est extrêmement adroit et insaisissable en même temps qu’il signe définitivement le fait que la musique de SLAVEONE maintenant s’impose en perturbateur endocrinien de la musique death metal avec cette légère tendance aujourd’hui à vouloir interférer avec le black metal.
Il ne tient qu’à toi « Oh sombre apôtre, pourvoyeur de lumière , que ta volonté soit nôtre. Un abyme de prières, des louanges aux lithanies sybiliennes, Egregore de cette spéculaire doctrine »

Et ce « The Seraphic Conspiracy » a totalement raison : Après eux, le néant.

NB : Le terme « dissonant » n’a été utilisé qu’une seule fois : à l’instant.

Arch Gros Barbare

20/04/2026

GROUPE: SOUTH OF HELL

TITRE ALBUM: Hellfernùm

LABEL: Great Dane Records

DATE DE SORTIE: 2026

Si onze années séparent « Rising of hate » de « Hellfernùm » ce n’est pas la seule chose qui les sépare. En effet quand on écoute « Rising of hate » on s’aperçoit que SOUTH OF HELL avait envie de tout mettre en même temps sur ce premier album : du brutal death , du death metal plus racé et plus morbide bien qu’un peu fouillis car partant dans tous les sens même dans certains trips black metal voire black/death melo par endroits. Cependant , c’était un petit album qui pouvait tenir la route au niveau underground malgré la recherche de sa propre voie. Quelques années plus tard, avec aussi quelques changements de line-up à plusieurs niveaux, ( des changements qui ont sans doute eu raison de l’orientation artistique du combo et qui ont encore eut lieu dernièrement ) , revoici le groupe avec un nouvel album en poche et un contrat sur le label du grand danois.

Alors même si SOUTH OF HELL a conservé son envie de n’appartenir à aucune étiquette, qu’elle soit black ou death, on sent que celui-ci a noirci son tableau pour proposer une musique nettement plus posée, plus millimétrée mais surtout plus consistante.

Exit les gros passages brutaux à l’américaine et bienvenue à ces atmosphères très blackened/death ténébreuses qui se manifestent immédiatement sur « Discedere ». Pourtant ce n’est pas celui-ci qui attirera l’attention , car agressif dans sa profondeur, il permet simplement de constater les orientations diverses de ses membres qui ont déjà roulé leur bosse ailleurs. C’est véritablement sur « Holy death » que l’on pénètre réellement dans l’album, cette introduction digne des polonais de Behemoth ou de Hate , en fera pâlir plus d’un . Avec ce genre de riffs bien épais SOUTH OF HELL crée une scission entre l’ancien et le nouveau SOUTH OF HELL.
Mais le nouveau le groupe crée la surprise sans vraiment la créer,puisqu’on les sait ne jamais vouloir choisir telle ou telle mouvance musicale, si ce second titre prend des airs polonais , il évolue de manière progressive en moins de six minutes pour aller chercher le riff de death extrêmement ricain, sorti des 90’s. Mais ici, à la différence d’il y a onze ans, SOUTH OF HELL maîtrise totalement sa polymorphie. Et ainsi le groupe arrive à jongler avec ses multiples sources d’inspiration pour offrir des morceaux qui donnent envie d’aller plus loin, qui donnent envie d’y revenir et c’est totalement le cas pour l’excellente « Holy death ». Le tout sur une production du légendaire Ludovic Tournier et du non moins fameux Alan Douches himself.

Alors oui, peut-être que les changements de line-up offrent aussi un renouveau dans l’inspiration, car sur certains morceaux on sent une légère opposition dans la brutalité death sur des titres qui opposent des envies à la Dying Fetus, avec des choses presque core, comme sur « Decadent brutality » (qui bien que construite sur des rythmiques de bûcheron part parfois dans la facilité du riff syncopé typique des 200 000 000 groupes de deathcore qui arpentent nos trottoirs la nuit en quête d’une reconnaissance de rébellion).

En soit , cela ne gâche pas l’écoute de l’album car il est largement et autrement assez varié pour y trouver son compte.

Il faudra poursuivre avec « Darkness of soul » pour s’immerger de nouveau vers un blackened death relativement froid. Mais si cette froideur ne vous sied pas, c’est alors que « ... » vous terrassera de manière cinématographique placé en plein milieu pour poser un décor à l’album.

Cet album n’est pas forcément accessible d’une seule traite, car il lui faut plusieurs écoutes pour dessiner ses contours et qu’on s’aperçoive que l’on peut passer de choses death metal pures, proches de Suffocation avec la fin de « Voice of war » ou « Mechanical Unconsciousness » à des choses beaucoup plus black comme la deuxième moitié de « Hellfernum » où la mélodie presque symphonique des derniers Dimmu Borgir avait envie de prouver son existence dans les influences de SOUTH OF HELL.

C’est finalement peut-être ça la botte secrète de SOUTH OF HELL, savoir composer de la musique multi facettes sans jamais rester immobile.

En tous les cas ce nouvel album mérite quelques bonnes écoutes et votre attention parce que le travail a été sérieux et le résultat est là.

Arch Gros Barbare

15/04/2026

GROUPE: SKAPHOS

TITRE ALBUM: The Descent

LABEL: Les acteurs de l’ombre

DATE DE SORTIE: 2026

Depuis « Cult of Uzura » sorti en 2025, alors troisième album des lyonnais de SKAPHOS, la donne avait changé pour le groupe. Cet album avait ouvert une porte sur le monde réel pour s’assurer de son invasion, et le groupe a réellement trouvé une identité, une voie. Rien ne se fait rapidement, et ce groupe est la preuve indéniable que prendre son temps, trouver ses repères et créer un véritable univers sera toujours le meilleur moyen d’arriver à un résultat incroyable.

Ce black/death metal très sombre, totalement abyssal et ténébreux colle à la peau de la musique de SKAPHOS désormais, et offre au groupe un statut culte au même titre que Sulfur Aeon pour l’Allemagne.

Ce quatrième album assoit littéralement la puissance de SKAPHOS, quelque chose de redoutable, tapis dans l’ombre et les Ténèbres des profondeurs. On ressent de plus en plus cette idée d’être plongé au plus profond des océans à la découverte du néant pour y entendre l’écho du silence. Ce nouvel album confirme bien que le chemin emprunté aujourd’hui par le groupe est celui de la toute-puissance. Le riff est sûr, aucune digression, aucune fioriture pour offrir un death metal tellement massif que son déplacement musical ne se fait sentir qu’au changement de chaque titre comme un mouvement de plaque tectonique. Et pour ce qui est des titres, SKAPHOS a eu la bonne idée de faire beaucoup plus court que son prédécesseur d’un bon quart d’heure. En effet on passe de quarante neuf minutes à juste un petit peu plus que la demi-heure. Et ceci fait une réelle différence car cela évite certaines longueurs inutiles pour mieux se concentrer sur l’énergie de titres moins nombreux et plus pertinents.

Immédiatement on atteint vingt mille lieux sous les mers avec « Nese ende », SKAPHOS se veut brutal mais suffoquant et cette plongée en apnée vous amène dans un univers noir, opaque où la musique régulée au millimètre près pour imposer une atmosphère asphyxiante, arrive à vous charmer littéralement. SKAPHOS EST les ténèbres, Skaphos EST le néant des profondeurs. Vous n’y trouverez pas d’exploit de guitares, mais une régularité infernale dans la batterie et une morbidité malsaine dans ces guitares qui ne vous lâcheront jamais du début à la fin. C’est ici que réside la grande marque de fabrique de SKAPHOS, créer une dimension à part , très oppressant dans ses ambiances, avec cette idée insidieuse que vous plongez toujours plus loin toujours plus profond. La batterie aussi violent soit-elle, ne devient que le bruit sourd de votre propre corps qui coule dans les entrailles du néant, tandis que les guitares s’entremêlent les unes aux autres pour vous envoûter par leur beauté à l’instar des méduses, ces cnidaires légendaires qui vous hypnotisent avec leur tentacules en forme de filament.

SKAPHOS vous enchante et vous enchaîne en vous montrant la mort, tout simplement et d’une manière authentique. La voix de Stéphane (également dans la Ballade des rats) domine depuis les tréfonds comme un appel à sombrer toujours et encore. La musique de SKAPHOS n’est au final pas vraiment violente, sa brutalité est comprise dans ses atmosphères théâtrales ce qui donne au tout une addiction à laquelle on ne peut échapper.
Cette incroyable lourdeur, massive , compacte, imposante que l’on apprécie encore plus sur « Ube » fait de SKAPHOS un groupe à part sur cette scène saturée. C’est impressionnant d’efficacité parce que tout est lié, tout bouge ensemble, tout se déplace en un seul bloc et on prend cette vague musicale d’un seul coup à vous en submerger de terreur.

Entre black metal et death metal , choix difficile à faire pour SKAPHOS, notamment sur la très épaisse « The descent », le groupe arrive avec charisme à se frayer un chemin au travers de toutes ces ténèbres. Un chemin personnel, un chemin écrit à l’encre indélébile qui aura raison de tous les sceptiques, encore plus avec « Horror squid » qui prend le chemin du death metal à la Immolation actuel. Quelque chose de lourd , de pesant de froid et de magnifique.

A cela rajoutons un artwork divinement réalisé par Paolo Girardi (Stortregn, Sulphur Aeon, Creeping death…), un régal d’ignominie pour les photos de Jean Manuel Moreno, le tout dans un digipack somptueux, et vous vous retrouvez avec un objet magnifique visuellement, physiquement et musicalement.

Il est inconcevable de passer à côté de ce nouvel album de SKAPHOS, parce que c’est le genre d’album très bien composé qui dans sa mouvance fera partie de ceux qu’on ne laisse pas dormir trop longtemps sur l’étagère.

Arch Gros Barbare

15/04/2026

GROUPE: ABDUCTIONS

TITRE ALBUM: Tentacles of terror

LABEL: Percussive spectre/ Acid vicious

DATE DE SORTIE: 2025

Rapidement après « Failed humanity » les brésiliens de ABDUCTIONS vomissent de nouveau leur tripes avec un successeur « Tentacles of terror ».

Mêmes ingrédients, même intensité, même ténacité, ABDUCTIONS propose à peine un an écoulé un second album plein de brutalité.

SI le death metal des brésiliens peut paraître beaucoup trop productif, on ne peut que constater que leur côté massif est totalement carré et indéniablement sans faille.

Voici un enchaînement de rage qui dure trente sept minutes et qui n’accorde aucune pause avant la toute fin.

Ambiance abyssale et brutale, violence ténébreuse et voix d’outre tombe, sont les ingrédients principaux qui composent la musique d’ ABDUCTIONS. On a la sensation de partir dans les folies les plus brutales d’Immolation, les passages plus lents et pesant en moins. En effet ABDUCTIONS préfère frapper fort à chaque seconde, avec une voix ultra efficace de Sebas S, qui ne choisit pas l’option modification de la tessiture pour varier les plaisirs. Non jusqu’à la fin ABDUCTIONS poutre salement avec un bon gros death metal aussi excessivement dense qu’immodérément infernal. Et la juxtaposition des deux offre à leur musique quelque chose qui fera que certains ne seront pas prêts à écouter.
C’est noir et presque insupportable pour le commun des mortels tellement c’est ténébreux sur le titre « Tentacles of terror », mais c’est ce côté massif doublé d’une brutalité redoutable qui fait que les brésiliens imposent leur musique avec force. Il faudra arriver jusqu’à « Mental corruption » pour que les riffs prennent un aspect moins lourd mais plus agressif. ABDUCTIONS arrive à moduler son death metal vers une brutalité plus fluide aux oreilles , sans jamais quitter son objectif : être méchamment puissant.
Et c’est le cas, parce que ce titre mène le rythme et forge encore plus sur son solo la noblesse d’ABDUCTIONS qui écrit dans le marbre avec ce nouvel album , une page primordiale de leur carrière. Le passage du second album confirmant toujours la pertinence d’un groupe, pour prouver qu’il n’était pas le groupe d’un seul album. L’ambiance générale de l’album est aussi complétée par ces instrumentaux placés insidieusement dans des endroits stratégiques ; comme « Destiny » en ouverture ou la terrible « Infectious storm » qui en impose totalement permettant de donner un véritable décor à ce nouvel album.

C’est toujours à souligner lorsque brutalité rime avec intelligence et perspicacité. ABDUCTIONS ne fait pas beaucoup de bruit mais suit une route infernale réellement éclairée par la flamme du death metal dans son essence malsaine. « Winds of death », « Silence of the throne of pain » possèdent ce côté massif et sauvage d’un Hate Eternal , tandis que le reste de l’album se termine dans une orgie d’une violence inouïe sur le bonus track « The red eye watching ».

Alors oui, ABDUCTIONS c’est de la brutalité parmi toutes les sorties de cette scène brutale mondiale, mais c’est très bien fait, la production est propre et ce n’est pas de la violence pour la violence. Il faut tenir sur la longueur et c’est le cas des brésiliens.


Arch Gros Barbare

15/04/2026

GROUPE: NECROLISIS

TITRE ALBUM: Templo de fraude

LABEL: Witches brew

DATE DE SORTIE: 2025

Bordel, aller jusqu’au Costa Rica pour un petit groupe de speed/thrash qui sent la sueur, ça fait toujours plaisir. C’est Witches Brew qui s’y colle, ce label allemand déniche plein de petits combos plein d’agressivité et d’inventivité pour toujours mettre à l’honneur un underground omniprésent depuis de nombreuses années.

Voici le premier album des costariciens qui existent depuis le tout début des années 2000, ça fait donc vingt quatre ans que le groupe perdure, et c’est leur premier album. Des splits, des démos, une compile, la survie la vraie. Enfin une signature sur un label underground hyperactif pour qu’on puisse tâter la marchandise. Et retour aux années 80’s avec du speed thrash chanté moitié en espagnol (colonisation oblige, mais ça chouine pas, ça envoie du bois) moitié en anglais pour plus de trente sept minutes de plaisir non négligé.

Ce premier album possède la sagesse des années et une expérience tout à fait maîtrisée. On y retrouve du saupoudrage d’albums d’anthologie au travers de la musique de « Templo de fraude » avec un speed très influencé par « Kill’em all » sur quelques très bons passages, mais également par la présence d’un thrash assez sombre et brutal proche des Dark Angel et Nuclear Assault. Alors oui, pas de fioritures, et une bonne rouste sur du riff de papa avec des titres comme « Aguarda la muerte », NECROLISIS fait mouche et vient frapper hyper fort avec une recette hyper simple : violence et agressivité. On y ressent quelques relents relativement heavy speed sur « Cuando la langua traiciona » où le spectre d’un Venom bien thrash viendrait coller son odeur pestilentielle d’une manière indélébile. Cet album défonce bien, autant dans son aspect parfois heavy/speed que dans ses ambiances thrash qui encrassent. Le groove ultra brûlant des morceaux fait montre d’une dynamique hyper énergique où NECROLISIS ne vient jamais ralentir ou poser des passages chiants. C’est speed pendant presque trente huit minutes, les solos respirent le headbanging avec une production ultra bien foutue, qui conserve la chaleur des amplis à lampe, tout en permettant d’avoir un son d’ensemble bien propre.

NECROLISIS gagne du terrain à chaque morceau, entre vitesse effrénée et puissance de moissonneuse batteuse stylée vieux Slayer sur « Aguarda la muerte » ou encore « Dejalos Arder », le groupe mène la danse jusqu’à son terme pour ce premier album. Petite branlée aux accents espagnols, « Templo de fraude » est une véritable petite pépite de violence qui remet le bassin en place, plus fort qu’un chiropracteur et plus efficace qu’un ostéopathe, NECROLISIS poutre sévèrement avec des guitares qui chauffent sans jamais tomber dans la brutalité. C’est simplement incroyable de retrouver une énergie perdue, dans des groupes sud-américains qui sont en plein dans la fleur de l’âge pour envoyer la purée avec autant d’ardeur. Et du riff de brutes, il y en a tout de même avec « Terror y violencia » le petit chef d’oeuvre gardé pour la presque fin de l’album avec du broutage de sillons sur les guitares qui avoinent comme les lattes d’un hélico en cours de crash. Sur ce morceau NECROLISIS montre toute sa splendeur et c’est tellement bien écrit dans la douleur que l’album brille de mille feux avec ce morceau , parce que la taperie est en adéquation complète avec les rythmiques tandis que les ralentissements de basse maîtrisent l’ambiance du titre parfaitement. Le solo vient lâcher sa petite goutte d’amour en gelée sur la fin de titre qui offre à l’album un statut d’album quasi cultissime.

Hors de question de passer à côté d’un album de cette trempe, c’est la curiosité qui aura raison de l’ennui et lorsque l’on découvre des groupes aussi racés que NECROLISIS, ça fait rudement plaisir de tomber sur des brûlots aussi méconnus, parce que la musique prend tout son sens et le speed/thrash c’est la vie.

Grosse  et magnifique découverte.


Arch Gros Barbare

13/04/2026

GROUPE: JOURS PALES

TITRE ALBUM: Résonances

LABEL: Les acteurs de l’ombre

DATE DE SORTIE: 2025

Prendre le temps d’écouter, le temps de digérer, le temps d’apprécier c’est l’exact contraire de la vie actuelle. Tout va si vite, toutes les informations s’effacent quand une nouvelle arrive et prend la place de l’autre. Il en est de même pour les productions, trop de groupes, trop d’albums sortis à moins de deux ans d’intervalle par chaque groupe, ce qui en fait tellement oublier des œuvres qui se voudraient pourtant intéressantes ou en tous les cas enivrantes. La boulimie est une maladie, ne l’oublions pas…

C’est le cas pour JOURS PALES qui ne déroge pas à la règle . Un album à peine un an et demi après le troisième « Dissolution », c’est effectivement très représentatif d’une génération qui veut tout tout de suite, qui a accès à tout tout de suite… En fait cela noie le poisson dans son propre vomi, cela pollue dans le pullulement et plus personne n’a d’intérêt pour quoi que ce soit qui ne dure plus de trois semaines ou un mois.
C’est dommage car ça ne rend pas hommage au travail de composition de ce nouvel album de JOURS PALES qui lui n’est pas l’écriture d’un soir et n’a absolument pas d’intentions illusoires.

Trop de groupes, trop de projets, trop de choix, trop de monde à en effacer ce qui pourrait avoir de l’intérêt.
Trop de changement, trop d’attitudes qui souffrent d’une insolence qui vient toujours effrontément…Et du coup on passe à côté d’un album qui a une personnalité, un album qui fait montre d’une réelle poésie et d’une souffrance réelle tandis qu’il ne faut surtout pas dire que c’était mieux avant…

Ce nouvel album de JOUR PALES ne devrait pas juste présenter un intérêt éphémère après avoir été poussé et remplacé par une nouvelle production, parce qu’il faut sincèrement prendre le temps d’écouter, le temps de savourer, il est d’ailleurs fort possible que ce soit la meilleure production de JOURS PALES.

Une production où le packaging a fait l’objet d’un traitement particulier pour mettre en exergue cette illustration de Sébastien Grenier où logo et illustration se démarquent du reste du digipack mais également du reste des groupes des Acteurs de l’Ombre. Somptueux et noble, ce packaging montre tout de même l’intérêt du label pour offrir à JOURS PALES quelque chose à la hauteur de sa musique.

Une musique qui prend aux tripes et possède malencontreusement toujours aujourd’hui la réputation d’être black metal tandis qu’au fur et à mesure des albums elle s’en éloigne absolument pour rester sombre mais de plus en plus loin des codes et de l’esprit black metal originel.

Aujourd’hui JOURS PALES qui est dans l’exact état d’esprit des signatures de LADLO offre une musique ténébreuse où le chant clair et torturé prend une place prépondérante pour mieux théâtraliser les atmosphères lugubres présentes sur les dix titres de ce nouvel album ; ce qui lui offre l’entrée dans un monde plus rock que « Black metal » (parce que le metal ne veut plus rien dire)
Et en y écoutant celui-ci à plusieurs reprises , même si l’on comprend et respecte les origines black metal de JOURS PALES, ce groupe/projet est au black metal ce que Misanthrope est au death metal.

Véritable transformation vers un univers nettement plus poétique et mélodique avec cette qualité d’avoir une personnalité réellement française à en obtenir des lettres de noblesse mais qui ne proviennent plus du monde dans lequel ils sont nés et dans lequel ils ont vécu.

Cet album est incroyable de puissance, chaque titre est une véritable œuvre d’art de mélodie, de profondeur et de poésie. Dès l’introduction l’on est obligé d’adhérer à la qualité de composition et la frontière entre nous et le néant est totalement franchie.
Les mélodies, les leads et les accélérations agressives, mais plus vraiment violentes, offrent à ce nouvel album de JOURS PALES quelque chose de divin. Mais dans ce divin, il n’est plus question de noirceur, seulement de souffrance, parce que si le chant de Spellbound est incroyablement envoûtant, les passages plus lents, plus mélodiques le sont encore plus. Alors l’on est transporté vers quelque chose rempli de supplices et de tourment mais qui s’éclaircit au fur et à mesure des morceaux. C’est beau, mais ce n’est plus noir. JOURS PALES change son univers au fil du temps pour le faire progresser et quitter ses terres ancestrales. « L’essentialité du frisson » à y changer les lignes vocales aurait pu être dans la lignée des albums de Misanthrope, JOURS PALES vous offre ce qu’il a de plus magnifique dans la composition, des guitares fabuleuses, des leads extrêmement mélancoliques à la limite de choses proches des Yearning et consorts.

Et même ce petit air d’accordéon sur la fin de « L’essentialité du frisson » nous donne un aperçu de l’ouverture d’esprit de JOURS PALES. La liberté, juste la liberté.

C’est un album réellement bien composé, bien enregistré et terriblement bien chanté, certainement le meilleur album de JOURS PALES. Il ouvre cependant des portes sur l’évolution même du groupe où cette liberté vient changer au fur et à mesure l’identité même du groupe. « Incommensurable » est époustouflante de beauté, où même la vitesse ne vient jamais troubler la tranquillité de la mélodie.

Avec « Résonances » JOURS PALES prend un aspect onirique dans sa musique on le ressent nettement sur « Viens avec moi » mais il est à croire que cette ouverture d’esprit même si toujours agressive , puisse faire sonner le glas chez certains amateurs, tandis qu’elle déverrouillera les portes de nouveaux passionnés. Lorsque l’on écoute « Viens avec moi », on se retrouve à la croisée de mondes entre rock, shoegaze, résidus de black metal et musique progressivement ténébreuse, JOURS PALES évolue et se fiche de vos pensées car sa musique n’a plus vraiment d’égal, plus vraiment d’univers, et se suffit à elle même, possédant enfin sa propre « résonance »...



Arch Gros Barbare

13/04/2026

GROUPE: TERRAGON

TITRE ALBUM: Chapitre V : The Middle Earth Part Three

LABEL: Acid Vicious

DATE DE SORTIE: 2025

D’un autre lieu et d’un autre temps... TERRAGON , ce projet solo tellement fidèle à ce que l’on trouvait, découvrait, appréciait, adorait dans les années 90’s (parce que c’était l’aube de mouvements musicaux autrement plus audacieux et prétentieux que ce que l’on entend aujourd’hui) continue de vivre et de faire perdurer une tradition musicale black atmosphérique qui ne perd rien de sa noirceur. Le temps avance inlassablement, mais quelques amoureux d’une époque demeurent.

...Ces amoureux là, qui écrivent seuls dans leur coin, qui composent, qui ressentent et transposent leur idées sur des notes déjà usées mais ici restructurées pour offrir un univers ténébreux qui rappelle sans l’ombre d’un doute les mondes parallèles de Mortiis sur ses trois premiers albums ou encore la très riche discographie des autrichiens de Summoning.

TERRAGON c’est l’oeuvre d’une vie qui se dessine petit à petit, parce que Manylaethurius a créé ce projet vers la fin des années 90’s et que passé ce chapitre I qui a attendu presque vingt ans pour y voir un successeur, passé l’hommage à Baudelaire qui a occupé ce chapitre II, c’est maintenant un véritable hommage à J.R.R TOLKIEN que rend TERRAGON depuis 2022.

En effet puisque ce nouveau chapitre, (en réalité le cinquième), dans la forme est en fait le troisième relatif à la Terre du Milieu . Et c’est bien une fois de plus en Arda que nous irons découvrir la création d’Eru Illuvatar à travers ce troisième chapitre de TERRAGON sur la Terre du Milieu.
A l’instar de ses comparses autrichiens, TERRAGON s’inspire donc pour la troisième fois des textes du grand écrivain J.R.R TOLKIEN pour remplir cette nouvelle mémoire. Mais au lieu de nous conter quelques récits historiques, le créateur de TERRAGON s’est attaché à décomposer ce nouveau chapitre sur deux temps uniquement.

La grande marche des Noldor, ces hauts elfes légendaires qui partirent en Valinor et l’histoire profonde de Beren and Luthien, ce couple entre un humain et une elfe que J.R.R TOLKIEN chérissait tant, car il représentait son propre amour avec Edith aussi fort que celui qui existait entre Beren et Luthien.

Nous voici donc loin de cette vague si outrageusement appelée « Dungeon synth »pour mieux plonger dans l’univers black atmosphérique de TERRAGON avec un troisième chapitre sur la Terre du Milieu qui fait honneur à l’oeuvre et à l’univers de J.R.R TOLKIEN .

Deux parties, les cinq premiers morceaux traitent des Noldoli (Noldor depuis) et de Valinor cette terre réservée aux Valar ou peu des nains ou hobbits auront eu l’honneur d’y demeurer.

TERRAGON prend quelques atmosphères que l’on comparera indubitablement avec Summoning (tradition oblige), mais sans vraiment y faire du plagiat, TERRAGON complète finalement l’oeuvre des autrichiens en y plaçant des ambiances plus éthérées , et là c’est encore plus vrai, peut-être plus tirées de l’univers de Mortiis.
Alors TERRAGON crée avec cette synthèse son propre univers, mais ce n’est pas uniquement depuis ce nouvel album sorti l’année dernière, non TERRAGON travaille simplement à donner à ce « Black metal » quelque chose de réellement elfique sur ce Chapitre V. On retrouve la noblesse de cette race sur les notes transcendantes de cette première partie. Si les percussions sont bel et bien là et que les guitares vous retiennent l’esprit pour qu’il reste en Arda, ce sont bien les atmosphères, les notes de claviers, la résonance de l’ensemble et la réverb existante qui offrent à l’oeuvre de TERRAGON son intangible univers.
Vêtu de noir et de gris , comme à l’accoutumée, rappelant les codes des groupes de black metal norvégiens du début des années 90’s, ce nouveau chapitre est à écouter en immersion complète au risque de passer à côté de quelque chose d’envoûtant qui mérite d’être placé au niveau de ses compères si respectés.

Ce ne sont pas des chansons qu’il vous faut écouter, mais réellement deux fresques musicales qui racontent une histoire, une belle et grande histoire.

Le black metal n’est pas oublié ni remisé aux confins de l’univers de J.R.R TOLKIEN, bien au contraire, il est toujours présent sur les titres de TERRAGON alors qu’il se joue de la profondeur avec des percussions qui savent même artificiellement prendre de la hauteur pour mieux résonner dans vos âmes ; le créateur de cet univers musical aime à accélérer sur les guitares par endroits afin de ne jamais oublier que les Ténèbres ne sont que le commencement avant toute création. Elles étaient là bien avant et seront toujours là bien après.

Alors voici un nouvel album, mais en fait plutôt un complément d’une histoire déjà écrite il y a longtemps, qui finalement est nouvellement contée. TERRAGON explique à sa manière, met les accents sur des notes et avec de la finesse sur un drap de velours offre un nouvel angle pour apprécier l’univers de J.R.R TOLKIEN.

TERRAGON ce n’est pas vraiment de la musique, mais sincèrement un monde, une sphère, qui s’écrit chaque chapitre un peu plus pour finalement arriver un jour en dehors de l’univers connu et n’être réservé qu’à une poignée.

Alors si vous savez où vous allez , vous pouvez vous aventurer dans l’univers de TERRAGON, dans le cas contraire, ne perdez pas votre temps…

Arch Gros Barbare

13/04/2026

GROUPE: EXODUS

TITRE ALBUM: Goliath

LABEL: Napalm Records

DATE DE SORTIE: 2026

Est-ce que c’est la signature avec Napalm records qui veut ça ? Est-ce que l’adoucissement de la musique de EXODUS est lié à la renommée désormais très gothique du label ? Est -ce que la musique actuelle en général a perdu de sa splendeur et en ce qui vous concerne:  de sa violence et de son agressivité ?

En tous les cas qu’on l’aime ou qu’on ne l’aime pas, ce nouvel album d’EXODUS fait un peu parler. Bon sans mentir déjà appeler un album « Goliath », quand on sait que le géant s’est pris une branlée, ce n’était peut-être pas la meilleure idée que le groupe ait jamais eu, surtout avec une pochette de Pär Olofson (qui en a fait de très belles, voire de très très belles) qui rappelle un peu la compile « Doomsday news II » .

Mais bon, c’est EXODUS donc normalement grosse pointure, surtout que le retour de Rob Dukes, qui avait tout de même poussé le bouchon de la violence un peu plus loin sur « Shovel headed kill machine », et surtout les « Excipit A et B », annonçait un album ultra brutal.

C’est tout de même un peu raté, et c’est ici que ce nouvel album fait couler beaucoup d’encre, car quand on l’écoute, la première impression c’est que ce « Goliath » c’est un peu le « Force of habit » des années 2020. On mettra un peu plus longtemps à l’apprécier, mais ça se fera, parce qu’il dénote comme « Renewal » dénotait à l’époque.

Etrange, à part, avant gardiste par rapport à ce qu’ils ont déjà fait, audacieux, parfois pompeux, et quelques fois chiant même si pourtant intéressant, voici ce nouvel album.

Après tout est question de votre définition de ce qui est intéressant. Parce que voire un sodomite en action peut être intéressant tout autant qu’un reportage sur la forêt tropicale ou encore sur les fluctuations de prix du carburant dans les zones tampons que sont l’Europe et « les restes » du monde et enfin également l’étude des flatulences de nuit des hommes blancs et hétéros après quarante ans.

Bref il fait couler de l’encre et l’on voit déjà les purs défenseurs du groupe qui diront que c’est bon de manger la merde d’Exodus car c’est plein de vitamines et ça donne des forces au petit déjeuner, tandis que d’autres jamais contents toujours à critiquer, même quand c’est ultra bon, ça nous envoie des litotes en veux-tu en voilà, « Mouais pas mal », « Mouais bof », « Mouais sympa », « Mouais c’est d’la merde », histoire de se prendre pour le Pierre Bellemare du thrash et de la musique old school en général, sans rien avoir à vendre. Comme si on en avait encore quelque chose à foutre des avis des autres aujourd’hui ? Non on sait tous que c’est le plus con qui a raison et que le plus violent c’est celui qui dit qui y est.

En tous les cas, c’est munis de cette pochette en main (après on a tous trouvé cool à un moment donné la pochette de « Purgatory afterglow » d’Edge Of Sanity jusqu’à en faire des t-shirts donc...) que les américains reviennent après cinq ans. Juste le temps de dégager encore Steve « Zetro » Souza et de refaire sortir du placard le père Dukes.

Pourtant EXODUS c’est un mega groupe de thrash autant que Over Kill , c’est la crème de la crème avec une discographie à faire pâlir Saroumane et sa main blanche.

« 3111 » avec son riff plutôt ultra classique aurait pu donner la tonalité de l’album, parce que Dukes crache du feu de Dieu son venin, et on aurait tous été d’accord qu’on avait retrouvé le EXODUKE. Rien d’extraordinaire ni d’exceptionnel, quelque chose de classique qui passe bien à l’apéro avec deux/trois ambiances plus sombres histoire d’ouvrir le bal en atmosphères plutôt ténébreuses et violentes.

Jusque là, rien à dire, ça fait le taff.

Mais comme Testament, comme Sodom, comme Kreator, comme Tankard, EXODUS en vient à la mélodie en se frottant au corps à corps. C’est sur « The changing me » que l’on s’en rend vraiment compte. Un titre qui occupe l’espace qui se retient parce que les mélodies sont accrocheuses et qui montre que le groupe n’a plus envie (peut-être l’âge aussi) de rester brutal et que cette période est révolue. En même temps la discographie du groupe est réellement changeante tout comme celle de Over Kill. Alors en prenant le style comme il vient on s’aperçoit que ce titre est chaleureux même s’il n’a pas la violence attendue et qu’on a tendance à prendre parfois un virage dangereux qui frôle l’opportunisme.

Et vu que l’aventure a l’air d’être l’exploration des nouveaux trous, le gluon du trou vous dirait que l’album lui sied à merveille. Le groove légendaire du groupe qu’on aimait sur « Fabulous disaster » ou « Impact is imminent », refait surface sur le titre « Promise you this ». Mais c’est peut-être un peu trop, parce que le chant du Dukes se veut limite heavy, mais comme Lemmy dans ses balades, ou encore Bobby sur « From the underground and below », avec tout ce qu’on leur reprochait en défauts. Le titre est très très heavy, et oui, il rappelle Skid Row par endroits c’est « un peu vrai ». Le groove donne envie de danser, mais pas de faire exploser la scène. Et c’est clair qu’ici ça creuse une fosse que certains passeront où d’autres resteront coincés à l’intérieur.

C’est malheureusement dommage, parce que ce qui vient après n’est pas dénué de talent. C’est audacieux en effet, mais « Beyond the event horizon » prend de la lenteur pour mieux prouver sa pesanteur. Le ralentissement n’est que pour avoir de la force dans le tempo et aplatir tous les détracteurs (ou pas) .

Voici un album haut en couleurs, tant sur le fond que sur la forme, et EXODUS s’en branle de vos avis car ils se sont faits plaisir à un moment de l’existence du groupe avec l’âge qui va avec.

Et si vous allez jusqu’au bout de l’album ce groove légendaire revient en feu d’artifice sur « Violence works », en y réfléchissant, c’était déjà comme ça sur « Pleasure of the flesh » , des titres très groove, posés et juste agressifs ce qu’il faut. Bon d’accord on fait abstraction de « Summon of the god unknown » qui chie un peu dans la colle avec cette ambiance un peu néo, mais en même temps chier dans la colle c’est rigolo, et puis c’est dans l’ambiance, pour mieux rebondir à plat ventre sur « The dirtiest of the dozen » qui termine l’album d’une manière assez noble. Les riffs sont lourds, lancinants (plus lent on serait chez Cathedral dans « Ride ») , et on sait qu’on est définitivement retourné dans le bayou, c’est sans doute pour ça que ce n’est qu’à la fin que les couleurs du logo rappellent effrontément l’époque d’un « Fabulous disaster ».

Allez donnez lui une chance, parce que cet album le mérite tout de même, pas entièrement, mais une bonne partie. De toutes façons les fans d’Anthrax vont l’adorer. Après y a qu’à essayer de faire la même carrière et on en discute à la fin…

Arch Gros Barbare

13/04/2026

GROUPE: FERETRO

TITRE ALBUM: The mortuary destiny of flesh

LABEL: Nihilistic holocaust

DATE DE SORTIE: 2025

De la rythmique écrasante qui pose une véritable ambiance malsaine, voici ce qu’était , ce qu’est , et ce que sera toujours le death metal. Si l’évolution du genre ne ressemble plus vraiment à ce qu’il était à l’origine, l’Amérique du Sud n’est toujours pas concernée par ces dilutions et ces mutations qui bien souvent n’ont plus ni queue ni tête. Et c’est dans cette contrée de la planète que le thrash/death et le death ont toujours une réputation morbide, agressive et authentique sans avoir besoin d’indiquer que c’est old school, parce qu’en fait c’est actuel, c’est factuel.Ce n’est pas old school, ni vintage, c’est juste du death metal, là, maintenant et pour toujours...Et comme un bon paquet d’humains est protectionniste, intolérant, préfère rester en groupe du coup, et demeure particulièrement élitiste (il n’y a qu’à voir l’acceptation du death core chez les amoureux de l’ancient death metal ou du heavy symhpo chez les heavy metalleux, du post black chez les blackeux ou des tribute bands tout court), ça tombe bien parce que la musique de FERETRO s’adresse aux puristes. Le death metal sud américain est figé dans l’âge d’or du death metal pour conserver ce semblant de justesse et de légitimité. Prenons le cas de FERETRO, les chiliens badigeonnent la scène de leur vomissure depuis plus de vingt ans et après moult démos, ep et split, les voici, bien ancrés sur leurs pattes arrière pour balancer un premier album. Un premier album qui a déjà six mois, une demi année, ce qui est assez pour se rendre compte de l’efficacité sur le long terme d’un tel album.

« The mortuary destiny of flesh », c’est la quintessence d’un death metal chilien qui offre ce qu’il y a de plus beau à offrir dans une tradition aujourd’hui ancestrale de composition fétide avec des morceaux qui sentent l’air vicié et la putréfaction à plein nez.

En effet , on n’y retrouve rien de nouveau sous le soleil de Satan, et quelques sources d’inspiration sont facilement reconnaissables comme Sepultura époque « Beneath the remains » (mais aussi « Morbid visions ») sur le titre « Towards punishment », avec cette particularité que FERETRO fait du death metal et pas quelque chose entre deux eaux. Si le titre est plus speed que le reste de l’album il annonce de bonnes augures sur les trente sept minutes à venir.

La production renifle elle aussi la tradition, aucun suintement synthétique ne vient déranger les rouages des rythmiques qui sonnent sur des cymbales et des fûts bien cinglants de musicalité naturelle. Dans ses compositions le groupe va chercher l’ambiance, l’atmosphère qui part toujours en rouleau compresseur juste après quelques syncopes malveillantes. C’est le cas sur « The ancient horror » qui ne brille pas par son originalité, mais qui poutre sévèrement par sa régularité puissante et de bons riffs primaires, qui encore une fois, rappellent les premières heures de certains groupes brésiliens.

Pourtant FERETRO oriente plus facilement son death metal avec un son typiquement sud américain, mais des idées d’américains, surtout de la Floride. On le ressent tellement sur les ralentissements qui hennissent la torpeur à en vomir ses tripes. Encore plus avec « In agony », FERETRO va chercher à gerber les démons de l’enfer au niveau des vocaux, parce que Perdo Veloso aussi guitariste, possède une tessiture qui rappelle énormément toutes les productions de Scott burns et tous les groupes qui sont passés entre ses mains.

C’est ici que FERETRO joue sa meilleure carte, parce que dans l’horreur, dans le ralentissement horrifique le groupe excelle pour poser des ambiances de malades, et toujours sur « In agony », on se prend au jeu et on remonte le temps avec un plaisir non caché. Démonstration de batterie, riffs assassins FERETRO ne se refuse rien. Tout en restant dans un death metal classique, on avance sur des mid tempos qui suintent par tous les pores, et qui posent une véritable atmosphère de mort. Entre Death ou Obituary, avec des envies très death/doomesques de cro-magnon, FERETRO ralentit suffisamment son allure afin que l’on sente cette odeur nauséabonde qui remplit les naseaux lorsque le corps se gangrène. Les guitares sont plombées sur « The hour of death » ou « Time to die » et c’est bien là que FERETRO change son fusil d’épaule pour s’enivrer de puanteur déliquescente aussi dégueulasse qu’un Massacre avec « From beyond » en son temps.

Pourtant alors qu’on croirait que le groupe s’arrêterait là dans sa démonstration de style, c’était sans compter sur « Death’s cycle » qui bien que largement influencé par les groupes cités, et similaire au reste de l’album , ce très long titre de huit minutes, permet de profiter pleinement des éructations du chanteur qui arrive véritablement à prendre vie à l’intérieur de ces rythmiques infestées qui moissonnent doucement pour que la semence prenne et inviter encore à faire jaillir les ténèbres violemment. Ce titre se permet une évolution malsaine au vu de sa longueur jusqu’à en avoir un lead guitare proche d’un Paradise Lost de la période « Gothic/Shades of god » qui baiserait dans la fange dans une ambiance si death/doom crade que même Uruk Hai n’en voudrait pas.

Si le split avec Silure cinq ans plutôt avec déjà bien frappé les esprits il est fort à parier, (à moins que les humanistes soient plus chauvins en vrai que sur les réseaux et ne préfèrent soutenir la musique uniquement lorsque sa provenance est hexagonale) que cet album touche pas mal d’amateurs de death metal qui se respectent et qui soutiennent la musique quand elle est bonne et d’où qu’elle vienne.

Un bien bel album traditionnel que nous signe FERETRO qui nous laissera profiter de lui au moins quelques bonnes années avant d’en ressortir un autre…

Arch Gros Barbare

25/02/2026

GROUPE: HEMISPHERE CORP

TITRE ALBUM: Defenestrate Chicken Warfare

LABEL: Acid vicious

DATE DE SORTIE: 2024

Deux ans que ce petit étron attendrissant est sorti. De la poésie, de la recherche, de l’introspection, du travail intellectuel réellement fouillé . En fait c’est à chier, mais c’est beau, un peu comme une grosse merde mais avec un collier de diamant.

HEMISPHERE CORP c’est une espèce de petit frère malformé de groupes tels que les très vieux ultra vomit de l’époque de « Kebabized » ou « Mr Patate », parmi lesquels sont venus à poil pour bien se mêler à la consanguinité, des Defecal of gerbe, avec un soupçon de sérieux à la Upper Decker, ou encore les moments les plus romantiques de Gronibard de la toute première vague d’inspiration et les passages les plus rock de Crotchduster. C’est le petit frère qui tient l’intérieur de ta poche de pantalon, celui qui te suit partout avec sa casquette à l’envers pour essayer de mettre son cerveau à l’endroit. HESMISPHERE CORP, c’est ce qui te fait travailler l’hémisphère gauche, celui de la logique, de la parole, de l’écriture, de la lecture, en effaçant de manière permanente le travail de l’hémisphère droit avec son imaginatif, son créatif à la noix…

Evidemment que c’est grind et death , que c’est burlesque, que c’est grotesque, que ça parle de poulets, il n’y a qu’à regarder la pochette, les hormones sont de retour et on ne sait pas qui sera le dindon de la farce ! Donc ce « Defenestrate chicken warfare » nous ramène quelques années en arrière, une bonne vingtaine a minima, et une bonne trentaine pour être plus précis.

Ce projet né de HEMISPHERE CORP pourrait paraître débile, mais quand on sait que le sieur a également écrit un album de black metal autrement plus sérieux avec SVENDIGGER, on peut comprendre que cet album soit un défouloir de grind/death un peu gore et humoristique avec en fait lorsque l’on sy penche de plus près, beaucoup de passages personnels de styles divers tels que du death, du grunge ou encore du thrash. Le tout situé entre le monde de l’absurde et l’amour de la musique extrême.

Le décor étant planté, c’est hypnotique : la voix est porcine comme celle de Defecal of Gerbe, sans tomber dans la logorrhée (diarrhée verbale pour les intimes) , beaucoup de samples sont présents comme bien souvent pour imager le propos et vous n’avez pas à craindre grand-chose, puisque les seize titres, (comprenant les deux bonus) font à la louche vingt minutes. Vingt minutes de patchwork artisanal enregistré dans une grange entre grind et death où la vitesse de l’ « Houraken » vous entraîne dans le plus grand vortex de saucisse de touts les temps. Avec du riff aussi gras que l’arrière train de ta maman, HEMISPHERE CORP se laisse aller dans la joie et l’allégresse , comme un juilletiste au camping des lilas.

Pourtant au milieu de toute ce beau bordel, il y a des riffs cachés nettement plus sérieux, d’abord on le remarque sur « Demenbratausorus » où l’exotisme pointe le bout de son nez, ou encore sur « Repentarium patricus », un titre aussi digne que le meilleur épisode des simpsons (Avec un « p » comme dans alors on n’attend pas Patrick?).
Oui, les plus cartésiens seront perdus, les plus psycho-rigides seront distendus, parce que la folie Crotchduster/Upper decker touche fortement HEMISPHERE CORP donc entre sérieux et passages loufoques que ce soit vocalement ou guitaristiquement, on sent que les gauloiseries de ce projet, auront un accueil grand ouvert par les amateurs de grind death complètement fou. Mais pas que, car en matière de grunge, Nirvana est à l’honneur sur « Defenestrator 2000 ».

On ressent quelques réminiscences de Ultra Vomit sur « Massive chicken attack », dans le riff lourd et gras, tandis que ça blaste comme un client qui a la tourista à la recherche des toilettes perdues sur « Christmas time ».

En fait c’est un album réellement aéré, complètement dingue, mais qui s’écoute avec plaisir, pourvu que l’on soit évidemment amateur de dingueries. Les vocaux sur « Chistmas time », sont succulents, alors que « Bulle périer » explose comme une eau gazeuse en pleine face sur un riff bulldozer très death metal et que « Daube Herman » s’arrache de façon plutôt thrash.

Les attirances du géniteur de HEMISPHERE CORP demeurent pourtant toujours là puisque la facette electro est bien présente avec « Noot noot feat Mozart », c’est léger et ça se mange sans fin.
Vous irez jusqu’au bout, jusqu’à la folie cartoon des deux bonus, parce que la curiosité fait partie de vous.

Un album court, joué de manière complètement abracadabrantesque où rien ne va bien ensemble mais l’ensemble va bien.

Vous l’aimerez ou le détesterez, mais de toutes façons sachez que les dindons vous regardent...

Arch Gros Barbare

24/02/2026